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Categoría: Teatro

  • Verano boreal espera nueva versión del ya tradicional Festival de Cap Roig

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    Escribir una leyenda (sitio El Comercio)

    Sting, Liam Gallagher y Diane Krall son algunos de los artistas que serán parte de un programa distribuido en 25 noches

     

    Los ingleses Sting y Roger Hodgson, el canadiense Paul Anka y el grupo español Los Hombres G, son los exponentes del rock que más veces han estado en el Festival de Cap Roig, evento que en cada verano del Hemisferio Norte desde 2001 se ha realizado en ese hermoso santuario de la naturaleza y patrimonio arquitectónico de la costa española: los jardines que llevan el mismo nombre del encuentro, perteneciente a Calella de Palafrugell, municipio de la provincia de Gerona, en Cataluña

    Transformado en un festival ineludible del estío boreal europeo, la versión 2019 es la decimonovena y tendrá lugar entre el 12 de julio y el 21 de agosto. Pero el historial es bastante más sabroso que el interesante récord de haber cobijado, y pronto a recibir nuevamente, a decenas de artistas de la música y la danza cada año.

    Esta temporada, además del mencionado Sting, serán parte del programa Jorge Drexler, David Bisbal, Luis Fonsi, Diane Krall, Maluma, Liam Gallagher y Eros Ramazzotti, entre otros invitados. Entre las figuras locales destacan cantantes emergentes como Álvaro Soler y Aitana.

    El origen del jardín botánico y castillo que responden a la denominación Cap Roig data de 1927. Diseñado y mandado a construir por el coronel ruso Nicolás Woevodsky y su esposa, la aristócrata inglesa Dorothy Webster, la edificación y la forma y la finalidad que adquirió el lugar en su conjunto hicieron realidad el sueño de los dueños de casa de vivir en un lugar donde disfrutarán de la naturaleza pura y, por si fuera poco, cerca de la costa.

    La entidad organizadora del encuentro, Clipper’s Live, apoyada por la Fundación Bancaria La Caixa y CaixaBank, ofrecen mediante una multimillonaria inversión no solamente una atractiva oferta de espectáculos en la oportunidad (con el añadido igualmente relevante de números dirigidos al público infantil), sino que a su vez una triple visión y misión de cómo deben realizarse iniciativas de esta naturaleza: mantener el jardín botánico del recinto (capaz de albergar a más de 2.100 espectadores), su amplia edificación que es un patrimonio de la zona y un importante componente solidario, que va dirigido a pequeños en riesgo social (para mayor información haz clic en el el sitio del festival: Cap Roig). Cabe resaltar que el espectáculo obtuvo el sello «Biosphere», referido al desarrollo sostenible.

    He querido compartir en esta ocasión algunos vídeos de presentaciones históricas en el Festival Cap Roig de los artistas del ámbito rock que más veces han estado.

    Sting en Cap Roig 2011

    Roger Hodgson en Cap Roig 2011

    Los Hombres G en Cap Roig

     

     

  • ¡Gracias por volver, Santiago Art Rock!

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    Taurus

    En su octava versión el evento se realizó en la Sala Master de la radio de la Universidad de Chile.

    Tal como señaló Juan Barrenechea, periodista y uno de los impulsores del evento Santiago Art Rock 2019, en la respectiva velada del viernes 25, el rock progresivo nacional se mantiene vivo en los corazones de sus fieles seguidores.

    Y así fue el espíritu de la octava versión del SAR, vivido por decenas de leales oyentes de esta variante del rock que se acerca a la música docta, que no por tomar este rumbo desde mediados de los 60 pierde el vigor y la potencia del rock and roll y sus bifurcaciones más próximas al metal y al pop.

    Así lo interpretaron Taurus y R-U Kayser, las bandas que dieron forma artística al encuentro, efectuado en la pequeña pero acústicamente apropiada sala de la radio de la Universidad de Chile, infraestructura ubicada en la calle Miguel Claro de la comuna de Providencia.

    No quisiera explayarme demasiado en las carreras de las reconocidas agrupaciones nacionales que acudieron al SAR. Sólo destacaré algunos aspectos que me sedujeron y que bien pueden constituirse en alicientes para adquirir sus álbumes, llamativos objetos de colección en tiempos donde reinan las plataformas digitales.

    El desarrollo de un concepto: algo así como una idea clara

    Obviamente no me centraré en el peso de la trayectoria de músicos como el tecladista Claudio Momberg, el bajista José Luis Ramos y el baterista Juan Ricardo Weiler. Las «cartas de presentación» de proyectos como Subterra y Seti, en el caso de los dos primeros, y de Aparato Raro o de Pie Plano en cuanto al segundo, son insuficientes para carreras que por sí solas dicen mucho más. Pero nunca estará de más mencionarlo.

    Taurus, que ha editado cuatro discos conceptuales mediante el concurso del sello especializado Mylodon Records, desarrolló efectivamente en su reciente actuación un concepto (los álbumes conceptuales constituyen una línea, un conjunto de temas que tiene un hilo conductor). Transformado en un power trío de teclados, bajo y batería, Taurus no es Emerson, Lake and Palmer, cuyo cimiento es una especie de parque de diversiones de virtuosismo y potencia. Taurus pone el énfasis en la potencia pero dosificada aquella en envolventes atmósferas. Da la impresión que las diversas variantes de los teclados, con sonidos de Moog y de piano eléctrico, entre otros, copan el escenario. Sin embargo el bajo y la batería logran entrar en el diálogo musical, netamente instrumental, con distintas intensidades.

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    R-U Kaiser

    Tras la presentación del conjunto liderado por Claudio Momberg, tuvo lugar la actuación del sexteto antofagastino R-U Kaiser, que recientemente lanzó un nuevo álbum: «Desde la oscuridad». Los muchachos amalgaman en un energético sonido dos guitarras (primera y rítmica), bajo, batería, una voz femenina (a veces, dos) y letras que ponen de relieve contradicciones del mundo en que vivimos. Los ritmos varían como también la cantidad de instrumentos entre un momento y otro. Si bien es cierto las voces y la primera guitarra sobresalen, los sonidos restantes contribuyen igualmente a crear atmósferas; dicho de otro modo circunstancias sonoras que nos estimulan el observar con asombro, que nos rodean, que nos motivan y que también nos invitan a la calma. Tal como señalan algunos especialistas de manera bien asertiva: la música es un vehículo de emociones y R-U Kaiser también lo interpreta de esa manera.

    En los créditos de última producción de R-U Kaiser figuran Claudia Navarro y Elend Doll en voces, Diego Alexander en teclados, Yeison García Floyd en guitarra, Óscar D’arcangeli en bajo, Isaac Lobos en bajo y Óscar Arias Gálvez en batería, prácticamente la misma formación de la actuación del viernes 25. En la jornada comentada estuvo como voz principal Claudia, pero la secundó como cantante Bárbara Wilson, quien es actriz y fue primera voz en tiempos del debut de la agrupación, «Ocelos». Bárbara se sumó de manera especial el pasado 25.

    No quisiera detenerme en la factibilidad palpable de un SAR 9, tal como lo proyecta Juan Barrenechea, verdadero motor humano del sello Mylodon, quien en el evento del viernes agradeció a la revista Rockaxis y al personal de la radio de la Universidad de Chile que colaboró por toda la colaboración brindada en la concreción del reciente SAR.

    Si deseas comprar el material de las bandas participantes, puedes echar un vistazo al sitio del sello Mylodon: http://mylodonrecords.com/ o bien escribirle a juanbarrenechea@gmail.com.

  • A propósito de gira venidera y próximo álbum de Steve Hackett

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    Steve Hackett (sitio The Prog Report)

    Supe hace poco que Steve Hackett, quien fuera guitarrista de Genesis en la primera mitad de los años 70 -período de la formación más aclamada del grupo británico- cuenta con un nuevo baterista, Craig Blundell, y que el próximo año realizará una gira basada en dos de los mejores discos tanto de su etapa genesiana como de su carrera solista. Se trata de «Selling England by the pound», en el primer caso; y de «Spectral Mornings» en lo que concierne al segundo.

    Un par de aspectos extras relevantes al respecto son el cuadragésimo aniversario del lanzamiento de «Spectral Mornings» en 2019  y la publicación de su nuevo álbum de estudio, «At the Edge of Light», fijada para el 25 de enero del año que se avecina. La nueva producción, que saldrá a la calle y a las redes en sus diversas versiones, sucede a «The Night Siren», de 2017, y parte de su repertorio está considerado en el futuro tour del músico.

    Respecto a Blundell, quien ha sostenido que se unirá a la gira que Hackett hará entre abril y noviembre próximos, ha tocado junto a Steven Wilson y, en efecto, seguirá concentrado en el accionar de la banda de aquél hasta marzo. Blundell reemplazará a Gary O’Toole, quien formara parte de la agrupación del ex Genesis durante 18 años, tanto en calidad de baterista como de cantante.

    Por tal motivo, he querido compartir dos clásicos del insigne guitarrista de rock progresivo, pertenecientes a los dos primeros largaduraciones citados. Uno, obviamente, es de la etapa de Genesis y corresponde a la versión en vivo de «Seconds Out» (1977), mientras que el segundo es de la etapa solista y la interpretación respectiva también es en directo, aunque de 2004.

     

    https://www.youtube.com/watch?v=YxDDHDXlzOc

     

     

     

  • Level 42, un grupo que seduce a 33 años de su «Máquina del mundo»

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    Level 42 en 1985 (sitio Albumism)

    Tres éxitos aportó el cuarteto en 1985. Pero aquel disco que cobijó esas canciones es un clásico por mucho más.

    La banda británica Level 42, muy popular en los años 80 y 90, está activa y es noticia por estos días. Según el medio Sussex Express, la agrupación liderada por el bajista y vocalista Mark King, será parte del Love Supreme Jazz Festival, que tendrá lugar en el condado inglés de East Sussex entre el 29 de junio y el 1 de julio. Allí el conjunto -tipificado regularmente de jazz-funk- compartirá escenario con Earth Wind & Fire, Elvis Costello, Steve Winwood y James Taylor Quartet, entre varios connotados exponentes.

    Algunos días después de aquel evento, el 7 de julio para ser exactos, Level 42 actuará en el Festival Pordenone Blues, que se realizará en la ciudad italiana de Pordenone. No dudo que los seguidores del grupo inglés (entre quienes me incluyo)deben ser los suficientes como para llenar un Movistar o, en el más modesto de los casos, un Caupolicán. Yendo más allá: ojalá vengan a Chile.Conforme lo destaca el sitio italiano Messaggero Veneto, 30 millones de copias vendidas de sus discos avalan el historial de este interesante conjunto, hoy transformado en un septeto. A la cifra aludida, por cierto bastante respetable (aunque no se trate ni de los Beatles ni de Elvis), cabe resaltar el lanzamiento de más una treintena de simples y 15 álbumes.

    No obstante el motivo que me lleva a escribir ahora es su sexto disco de estudio: «World Machine» (algo así como «máquina del mundo»), lanzado en octubre de 1985 (para conocer el historial de la banda, galerías y noticias oficiales pueden ver su sitio oficial en español: http://www.level42.com/).

    Brit pop con diversos guiños
    No me agradan las etiquetas, pero sé que a veces es necesario considerarlas para que los lectores se forman mentalmente aproximaciones. Si bien es cierto en el primer párrafo puse que la agrupación británica estaba tipificada como jazz-funk (así figura en Wikipedia), en un rastreo de su biografía detecté las denominaciones de jazz rock, rock, new wave, acid jazz, jazz funky, pop y dance rock. Sin embargo prefiero referirme al conjunto de Mark King como cultivador del brit pop con guiños al jazz, al tecno y a la onda disco.

    En mi imaginario musical mental lo he asociado con Sting, pero también al estilo de bandas del tono de Curiosity Killed the Cat o Johnny Hates Jazz. La presencia de un pop suave, en el formato que estructura el propio pop: canciones para cantar y bailar rápido o lento, y de agradable escucha, motiva mi pensar. Por cierto la presencia de instrumentos de viento me cautiva y la de teclados me envuelve, aunque sin restar relevancia a la guitarra, al bajo y a la batería, la base del rock and roll.

    Si bien es cierto elijo a «World Machine» porque me gusta, no es sólo por sus grandes éxitos que atrae sino por ser bastante equilibrado: no abruma ni aburre. Quizás se le podrá criticar cierto exceso de programación (Charly García y Genesis hacían cosas similares en esa década), pero facilita una escucha de once temas que se disfrutan distribuidos en sus casi 47 minutos de duración (producción original), y permite apreciar el potencial de la formación de entonces: el notable King en teclados y los no menos sobresalientes Mike Lindup en teclados y coros, Boon Gould en guitarras y Phil Gould en batería. Colaboran en este largaduración Wally Badarou en teclados, voz y otros apoyos; y Gary Barnacle en saxofón.

    «World Machine» no fue el álbum más vendido del conjunto, pero junto con arrancar de las estanterías unas tres millones de copias, aportó tres de sus grandes éxitos en las listas (descargables al final de este artículo): «Something about you», «Leaving me now» y «Lessons in love». Cabe resaltar que hubo nuevos lanzamientos de este disco en 2000 y 2007, el último de lujo y con disco extra.

  • Virus siempre nos invitó a imaginar y amar, pero sobre todo a bailar y reír

    Virus-1984
    Virus (sitio Crock)

    Perteneciente al tercer disco de la recordada banda trasandina, «Hay que salir del agujero interior» es como un himno de libertad.

    Leí recientemente tres interesantísimos artículos sobre Virus. Uso el adjetivo plural no sólo por la abundancia de detalles de esas publicaciones sino por la profundidad de los mismos.

    Uno, de Camila Hadad, se refiere al remezón familiar por la enfermedad que padeció el líder y cantante de la banda, Federico Moura, y en consecuencia su muerte, pero también del sufrimiento bastante previo tras el asesinato del hermano mayor del clan, Jorge, por parte de la dictadura militar (testimonio de su hermano Marcelo); otro, autoría de Daniel Gigena, resalta los atributos distinguibles del último disco del conjunto con Federico: «Superficies de Placer» (1987), a treinta años de su lanzamiento; y, el restante, escrito por Mauro Apicella, resume la trascendencia que tuvieron algunos grupos y solistas del rock argentino en 1983 con producciones surgidas justamente en el período transicional entre dictadura y democracia. Allí figura Virus con «Agujero Interior».

    Da la casualidad que ese álbum, el tercero de la agrupación, fue lanzado el mismo día en que retornaba la democracia: el 10 de diciembre. Considerado el disco más rockero del grupo, el mejor hasta ese entonces y el que los lanzó a la masividad (merece, sin duda, un reportaje propio), contiene varios éxitos, entre éstos aquél que quiero resaltar en estas líneas: «Hay que salir del agujero interior».

    Y no lo elegí porque sí: escrita por Federico Moura y Roberto Jacoby, con letras del cantante, resume un poco el estilo de Virus y su línea de acción ante la vida, a pesar de los sinsabores que les tocó vivir.

    Hay que salir del agujero interior
    Largar la piña en otra dirección
    No hace falta ser un ser superior (todo depende de la transpiración)
    Poner el cuerpo y el bocho en acción.

    A la vida hay que hacerle el amor
    Sin drama, con locura y pasión
    Jugar con la imaginación
    Sin tener que pedir perdón

    La canción se transformó en un emblema del tercer largaduración de Virus y, a la larga, en un gran clásico de la agrupación originaria de La Plata. Analizada la letra (un juego de dos estrofas que se repite después de los lúdicos lucimientos de las teclas y la guitarra) recuerdo las palabras de Sandra Mihanovic, en un especial de televisión que condujo hace algunos años, sobre el cantante de Virus: “Federico apareció en el horizonte musical argentino como una explosión de color y energía. Los Virus desacartonaron la música con letras irónicas y diciéndonos que nos largáramos a bailar. Proponían salir del agujero interior, hacerle el amor a la vida. Federico no quería que nos quedaramos pegados con la tristeza. Él fue el primero en decir que la diversión no es pecado”.

  • Especial «registros exclusivos»: Genesis brinda en Montreal una clase magistral de rock teatral

    genesismontreal1974Registro de 1974 en el Centro Deportivo Universitario de la ciudad canadiense refleja la época en que la mítica agrupación era un quinteto.

    Estaba en los últimos meses de enseñanza media, en 1990, y recuerdo que radio Futuro, por entonces una emisora dedicada a lo que sus creativos denominaban «música contemporánea de vanguardia», anunciaron un especial del Genesis gabrielano para un primaveral sábado a las 14 horas.

    Pongo de relieve ese día y esa hora porque porque se correspondían cada fin de semana con el programa que todos, o una mayoría abrumadora o relativa, esperaban. Por entonces, no existía el whatsapp, pero sí la correspondencia tradicional: las cartas y el  teléfono fijo como vías de comunicación habituales, aparte del cara a cara.

    Esas formas de contacto eran suficientes para que quienes definían la programación de una radio decidieran no sólo qué tipo de música se privilegiaba, sino qué tipo de especiales (disco o recital completos) eran factibles de escucharse en la Futuro.

    El turno del aludido sábado fue para una de esas «grabaciones filetes dignas de Semana Santa»: una presentación en vivo del referido quinteto británico, realizada el 21 de abril de 1974 en el Centro Deportivo Universitario de Montreal, Canadá.

    La calidad del sonido, comparado con «Seconds Out» o los posteriores álbumes en directo oficiales de Genesis, no es para quedar mudo y con la mirada muy abierta, pero sí para admirarse por su exclusividad y el hecho de pertenecer a una de las agrupaciones más importantes y populares de la historia del rock mundial, en una época no muy generosa en cantidad y calidad de registros en vivo de este tipo de música.

    Algunos datos…

    Antes de que disfruten la grabación (insisto: al igual que en el caso de aquella anterior, de Pink Floyd, y otras de naturaleza parecida, lo ideal es tener una copia original del sello que la distribuyó), sólo mencionaré dos aspectos: se trata de la formación más aclamada de la banda (Peter Gabriel en voz, Tony Banks en teclados, Phil Collins en batería y coros, Mike Rutherford en bajo y Steve Hackett en guitarra); y allí se aprecia, pese al sonido -algo precario pero no débil-, las virtudes individuales pero sobre todo los matices vocales y el histrionismo de Peter Gabriel, con el desarrollo del concepto «rock teatral» (en relación a las historias narradas entre tema y tema, cabe agregar que en los registros audiovisuales disponibles sobresalen los disfraces).

    Es relevante añadir otros datos no menores: algunas semanas después del especial mencionado, radio Concierto (que por entonces pertenecía a los mismos dueños de la Futuro; y no era una emisora dedicada a la música pop ochentera, como lo es hoy), quizás inspirada por la positiva recepción del medio de comunicación consanguíneo, dio espacio a la citada presentación en uno de sus clásicos programas de la medianoche.

    En 1990 Genesis era una trío (Collins-Banks-Rutherford), su cantante: Phil Collins ya tenía una carrera solista consolidada, el grupo ya estaba a punto de lanzar otro exitoso disco: «We can’t dance» (1991), ya circulaba un interesante y emotivo documental sobre su historia: «Genesis A history»  y habían pasado 15 años desde que Peter Gabriel dejo de ser parte del conjunto (tres años después hizo lo propio Steve Hackett).

    En abril de 1974 el quinteto estaba todavía en la gira que sucedió al lanzamiento de «Selling England by the pound» (1973) y, algunos meses después, iba a ser lanzado «The Lamb lies down on Broadway».

    ¿Lo demás? Es parte de su rica historia.

    https://www.youtube.com/watch?v=0-86pVFB4aM

  • Especial «Registros exclusivos»: Pink Floyd en el «Grupo del Imperio»

    pinkfloydempirepool1974 (1)Registró de 1974 permite apreciar el potencial en vivo de la legendaria banda en una época trascendental de su historia.

    Tras escribir el artículo de la semana pasada (algo así como un especial de rock y de música electrónica en Semana Santa), retuve con fuerza en mi mente dos registros de Youtube compartidos para ustedes al final de aquella publicación: uno de ellos, al que me referiré hoy, es de Pink Floyd y corresponde a un recital en vivo efectuado el 16 de noviembre de 1974 en el Empire Pool (hoy Wembley Arena) de Londres. El otro es de Genesis y se trata de una presentación en Montreal el mismo año. Pero aquélla quedará para otro capítulo.

    Al igual que en el artículo anterior no me extenderé demasiado acerca de la grabación. Sólo resaltaré que me gustó mucho, no sólo por tratarse de una época particularmente brillante de la banda inglesa con su formación más aclamada, sino por su sonido: se notan todos los instrumentos y las voces, a pesar de tener cierto perfil exclusivo (no quisiera poner «pirata» porque es demasiado fuerte: generalmente estas verdaderas joyitas de audio, suelen tener irregularidades).

    Es relevante resaltar que esta presentación tiene lugar en un año intermedio entre discos claves del cuarteto: «The Dark Side of the Moon» (1973) y «Wish you were here», sin embargo, tal como se aprecia, en el repertorio abundan temas del primer largaduración citado (el más célebre y vendido junto con «The Wall» de 1979), más una versión preliminar de la suite «Shine on you crazy diamond», del álbum venidero por entonces; otra pieza larga: «Echoes», de «Meddle» (1971); y dos cortes más que aparecerían en «Animals» (1977), cuyos nombres en 1974 eran diferentes: «Raving and drooling» (posteriormente «Sheep») y «You gotta be crazy» (después «Dogs»).

    Los invito a disfrutar de esta actuación de Roger Waters (bajo y voz principal), David Gilmour (guitarra y voz), Rick Wright (teclados y voz) y Nick Mason (batería): Pink Floyd.

  • Los especiales radiales de Semana Santa en los 80 y 90

    JETHROIAN
    Jethro Tull: Live at the Capital Centre (1977

    Hoy siguen teniendo cabida, pero con un tinte más popular.

    No me extenderé demasiado en las palabras: dedicaré este espacio a una especie de sello muy característico de Semana Santa en las radios FM dedicadas a la música popular, al menos en Chile: la verdadera seguidilla de “programas especiales” o, en términos más sencillos, la “programación especial de Semana Santa”..

    Si en el caso de la televisión abundaban películas y documentales alusivos a la muerte y resurrección de Jesús o temas vinculantes («Jesús de Nazareth», «El manto sagrado», «Quo Vadis?» o el musical “Jesucristo Superestrella”, por ejemplo, solían y suelen ser los largometrajes favoritos del público y de los programadores) y en las emisoras radiales especializadas en música selecta sobresalían y sobresalen obras como «La Pasión según San Mateo» u “Ofrenda musical” de Bach, la sinfonía «Pastoral» de Beethoven o «Requiem» de Mozart, entre otras, en las radios de música pop se distinguían, y hoy se distinguen con menos profusión, emblemáticas producciones o material en vivo exclusivo de connotadas bandas de rock, música electrónica o jazz fusión.

    En resumen, los espacios se siguen dando aunque con un tinte más popular. Recuerdo que en los 80 y 90 esta tendencia alcanzó su peak en señales como Futuro (sobre todo cuando no era netamente de rock, sino de “música de vanguardia”: entre 1989 y 1992), Concierto (antes de su largo receso), Carolina o la extinta Galaxia (una de cuyas célebres voces era Sergio «Pirincho» Cárcamo).

    Recuerdo que de niño, tiempos en que reinaban los casets, durante esos días: viernes, sábado y domingo, mis hermanos mayores y próximos a las dos décadas de edad, grababan cuánto especial había en la radio, no pocas veces grabaciones no oficiales, verdaderas joyas.

    Nombres como Tomita, Yes, Pink Floyd, Genesis, Emerson Lake and Palmer, Jethro Tull, King Crimson, Focus, Premiata Forneria Marconi, alguna banda sonora de alguna película de corte épico, bandas argentinas como Crucis o chilenas como Los Jaivas, eran parte de un rico repertorio.

    Tal como lo hiciera con un artículo sobre The Police y otro acerca de Phil Collins, comparto aquí algunas grabaciones por el estilo vía descarga Youtube.

    Si bien es cierto siempre será deseable un formato oficial de alto estándar tanto en audio como en vídeo, no deja ser atractivo escucharlas y hasta observar el desempeño de los músicos en los registros en que esto último es plenamente factible.

    Éste es mi listado:

    THE NICE: “The Thoughts of Emerlist Davjack” (1967)

    THE MOODY BLUES: “Days of future passed” (1967)

    JESUS CHRIST SUPERSTAR 1970

    YES: “Yessongs” (live at the Rainbow Theatre, 1972)

    PINK FLOYD: Live Wembley, Empire Pool, London (1974)

    GENESIS: Live University Sports Centre, Montreal, Canada (1974

    FOCUS: Live at NPO VARA Nederpopzien TV Show (1974)

    JETHRO TULL: Live at the Capital Centre (1977

    EMERSON, LAKE AND PALMER: “In Concert” (1979)

    TOMITA: “The mind of the universe Live At Linz 1984” (1985

    KING CRIMSON: Live in Japan (2003)

     

  • El Phil genesiano

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    Phil Collins (sitio Poema de Céu)

    A propósito de la reciente visita del músico británico A Chile, comparto algo de su historial en la música pop al margen de su carrera solista.

    Phil Collins no alcanzaba a cumplir los 20 años de edad cuando arribó a Genesis. Corría 1970 y, los integrantes de entonces: el cantante Peter Gabriel, el tecladista Tony Banks y el bajista Mike Rutherford (todos apenas veinteañeros) buscaban un guitarrista y un baterista (Anthony Phillips y John Mayhew se habían marchado). En una audición, Collins los dejó notablemente sorprendidos.

    El muchacho, entonces muy delgado, de pelo largo y barba (no muy diferente a tantos jóvenes que por esos días seguían caminos similares), les demostró a quienes serían sus futuros compañeros que para él la batería era más que un instrumento de marcación: se le podía sacar múltiples variantes de sonido.

    Además se dieron cuenta que Phil podía acompañar con distinción a Peter en los coros y ser la segunda voz de la banda. Posteriormente se les unió Steve Hackett como guitarrista y, de este modo, se estructuró la formación, no necesariamente de mayores ventas, pero sí más aplaudida por la prensa especializada y la predilecta de una legión importante de sus fans.

    El quinteto grabó entre 1971 y 1975 cinco discos (entre éstos uno en vivo) dignos de cualquier estantería dedicada al rock progresivo, junto a obras de Pink Floyd, Yes, Emerson Lake and Palmer, Jethro Tull, King Crimson y otras agrupaciones representativas del estilo. En ese período Phil fue cantante principal en dos canciones de corte folk, dominadas por las guitarras: «For absent friends» y «More fool me», incluidas en «Nursery Cryme» (1971) y «Selling England by the pound» (1973), respectivamente.

    Tras partir Gabriel de Genesis en la mitad de esa década (acontecimiento que no destacó por pasar precisamente inadvertido), Banks asumió el liderazgo mayor en el plano creativo y Phil la condición de «frontman» en el escenario, en el que gracias a sus dotes de actor (ya tenía experiencia al respecto y, sin duda, el legado de Peter algo influyó), con el curso de los años supo sacarle mayor provecho y soltura a su simpatía y, por ende, generar una gran comunicación con el público.

    Sin perder su autonomía, profesionalismo y productividad, Genesis hizo concesiones al pop y se transformó en un grupo superventas e ideal para estadios de fútbol. Desde 1976 hasta 1992 grabaron 11 estupendos discos, tres de ellos en directo (eso sí, me quedó lejos con los dos primeros de estudio: «A trick of the tail» y «Wind and Wuthering»). Cabe agregar en la discografía posterior algunos box set y el álbum en vivo de la reunión de 2007.

    Momentos especiales

    Tratándose de un artículo sobre Collins, curiosamente no pretendo centrarme en su carrera solista (iniciada en 1981). Como ya se habrán dado cuenta parte de aquel objetivo ya he cumplido. Además en los grupos de FB dedicados a su trayectoria propia sus seguidores ya han disfrutado -y disfrutan- de múltiple material asociado a su producción personal y de toda información alusiva a su reciente visita a Chile. ¡Salud por ello!

    Sí comparto con ustedes aquí (versiones en vivo vía descarga Youtube) algunos de mis temas regalones de él vinculados al período genesiano.

    Conforme a un criterio similar al que usé en mi publicación sobre canciones bailables menos famosas de The Police, en el caso de Phil descarté hits salvo un par («Mama» y «No son of mine»). El lapso referido es 1976-1992.

    ¡Disfrútenlo!

    «Dance on a volcano-Los Endos» (con dueto de batería junto a Chester Thompson)

    Burning rope

    Medley  con «In the cage y Afterglow» como temas principales

    «Duke’s travels-Duke’s end»

    «Dodo»

    «Mama»

    «Domino»

    «No son of mine»

     

  • Recitales sin tiempo: David Lebón sintetiza su leyenda en Cosquín Rock 2017

    davidleboncosquin2017El ex guitarrista de Serú Girán fue una de las figuras de la penúltima versión del emblemático festival cordobés. 

    Seré algo rupturista y hasta provocativo: inicio la presente reseña con un llamado a los seguidores y seguidoras de este sitio a escribirme directamente a mi casilla de correo figofu@gmail.com. Lo hago por una razón muy sencilla: una mayor fluidez de diálogo ciberespacial. Nada más. Por cierto, agradezco los comentarios de bella intención que, desde diversas partes del mundo, me han llegado.

    Respecto del comentario en sí, sonaré un tanto zalamero, pero no por ello menos honesto. David Lebón es muy sencillo, simpático y bonachón. La relación con su público se establece principalmente por su música y letra, cargadas de rock and roll, folk, blues y algunos guiños al rock progresivo y al jazz, pero también el legendario guitarrista se distingue en la comunicación tanto con sus músicos como con los asistentes, como se aprecia en el festival Cosquín Rock 2017.

    Elegí su presentación en la penúltima versión del emblemático evento cordobés por tres razones: los 50 años de rock argentino cumplidos por entonces, el hecho de tener a Lebón (una leyenda viviente de la música de guitarras en el vecino país, al igual que Pedro Aznar y Fito Páez, dos invitados a la misma versión) y su fácil accesibilidad.

    Complicidad, música y clásicos

    Mensajes en torno a la felicidad, su chochería ante el nacimiento de su séptimo nieto, su admiración por Luis Alberto Spinetta (con quien integró Pescado Rabioso) y hasta una amigable queja respecto de una presentación anterior debido a los 40 grados de calor que debió soportar considerando sus sesenta y tantos años de edad (situación diferente a la del Cosquín referido en este artículo, dado que la noche de la actuación se notaba bastante fresca y agradable) fueron parte de las confesiones en esa complicidad que espontáneamente estableció con la nutrida concurrencia.

    Si bien es cierto en los primeros minutos de su puesta en escena Lebón destacó la presencia de su baterista, Daniel Colombres, la banda funcionó como un equipo: individualidades y armonía que fluyen. La presencia de hasta dos guitarras líderes de la melodía en varios pasajes me hizo recordar un poco a The Byrds, Eagles o Lynyrd Skynyrd, aunque en el caso del trasandino y su conjunto con una mayor cercanía al rock and roll y al blues.

    Canciones de su carrera solista como «Juntos», «Ultimo viaje» o «Latin Rumba» compartieron el set list con «Suéltate rock & roll» de Polifemo o clásicos de Serú Girán como «Esperando nacer», «En la vereda del Sol» o «Parado en medio de la vida».

    Atributos de leyenda

    David Lebón tiene cerca de 50 años de trayectoria profesional: integró agrupaciones señeras del rock argentino como Pappo’s Blues, Serú Girán y aquella que formó junto al legendario «flaco» Spinetta; y ha participado en más de 70 discos, incluyendo allí recopilaciones y colaboraciones con diversos solistas. Sus repertorios de mayor notoriedad son los de Serú Girán, con 9 álbumes; y los de su carrera solista, provista de 15 largaduraciones, un generoso abanico que incluye la producción: «Encuentro Supremo» de 2016.

    Ante esa carta de presentación podría hacer varios recitales en uno, pero dado el programa de Cosquín 2017 debió comprimir en una hora y algunos minutos los frutos de esa extensa trayectoria.

    Influido por héroes de las seis cuerdas como Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix o B.B. King, este multinstrumentista es considerado el tercer mejor guitarrista de la historia del rock argentino, según un escalafón de la revista Rolling Stone de ese país.

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