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Categoría: Teatro

  • Los Abuelos de la Nada se presentarán en abril en el Gran Arena Monticello

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    Los Abuelos de la Nada (sitio Infobae América)

    Chocolate Fogo y Juan del Barrio lideran formación 2019 de mítica banda argentina. 

    Chocolate Fogo es sobrino del recordado poeta, cantante y líder de Los Abuelos de la Nada, Miguel Abuelo.  Fogo es hoy director musical de la versión 2019 del legendario conjunto trasandino junto a Juan del Barrio. Fogo es bajista y vocalista. Del Barrio hace coros y está a cargo de los sintetizadores y los teclados.

    El resto de los integrantes son Gaspar Benegas, quien es guitarrista y también acompaña en los coros; Sebastián Peyceré en batería, Jorge Polanuer en saxofón, el limeño Hubert Reyes en percusiones y el hijo de Miguel Abuelo, Gato Azul Peralta, en voz y percusión. Fogo, Del Barrio y Polanuer fueron parte de Los Abuelos en formaciones ochenteras.

    Los Abuelos de la Nada realizarán presentaciones en Chile, Perú, Uruguay, México y su país de origen como parte de la nueva etapa. Por estas latitudes ya tienen contemplado un recital de tres horas (la duración estándar de cada evento del tour), programado para el 10 de abril en el Gran Arena Monticello. La gira comenzará el 7 de marzo en Lima y, sólo en Argentina, incluirá siete recitales en distintas ciudades.

    Clásicos, temas nuevos e invitados

    Músicos cercanos a Miguel Abuelo y a la agrupación serán parte de la gira, denominada «Mi estrella y yo», donde los seguidores del grupo disfrutarán de nuevas versiones de clásicos como «Mil horas», «Himno de mi corazón», «Lunes por la madrugada», «Cosas mías», «Chalamán», «Zig zag», «Sin gamulán», «Medita Sol», ‘Ir a más» y «Sintonía americana», entre otros, además de canciones nuevas e inéditas, como la que da nombre a la gira y «Buscándonos al fin».

    Los últimos dos temas aludidos serán lanzados en plataformas próximamente y, para el transcurso del próximo año, está prevista la publicación del nuevo álbum «Luces y Bengalas», material igualmente inédito que, incluso, contendrá canciones escritas por el propio Miguel Abuelo.

    Cabe resaltar que por Los Abuelos de la Nada pasaron figuras de la talla de Claudio Gabis, Andrés Calamaro y Pappo. En el curso de la parte argentina de la gira «Mi estrella y yo» se sumarán otros históricos integrantes del grupo como Daniel Melingo, Gustavo Bazterrica, Kubero Díaz y Cachorro López.

    Por añadidura no hay duda que la banda surgida en Buenos Aires es parte relevante de la historia del rock argentino, sobre todo por su etapa ochentera. En lo particular, una de las más recordadas de aquella década: a la altura, el menos en materia de discos y éxitos del período, de agrupaciones como Soda Stereo, Virus, Sumo, Miguel Mateos y Zas, G.I.T., Los Enanitos Verdes, La Torre, Riff, Los Twist y solistas como Charly García, Fito Páez y Luis Alberto Spinetta, por citar a los exponentes más renombrados de entonces.

    Las entradas para el recital en Chile son factibles de adquirir vía Topticket (para acceder al sitio haz clic aquí: Top Ticket). Para descargar material del conjunto haz clic aquí: Los Abuelos de la Nada en Spotify.

    Los dejo con un recital de Los Abuelos de la Nada, realizado en el Teatro Opera, en 1985:

  • Fernando Vásquez comparte la «Galaxia Tomé» con el resto de Chile y del mundo 

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    Fernando Vásquez y Los de Este Mundo (fotografía Diario Concepción)

    Gran referente de la producción cultural autónoma, encariñado con su tierra y con su gente, cantautor y escritor se manifiesta admirado con los nobles atributos de aquellas.

    «Me gustaría que conocieras un trabajo muy bonito y dedicado que ha hecho una persona muy importante aquí en Tomé. Habla mucho de la historia de esta ciudad y también de todo lo que es la historia del pueblo mapuche. Él es cantautor y, en su obra, refleja todo el sentir de este pueblo. Él es una persona extraordinaria en cuanto a la música. Para mí, estando acá en Tomé, ha sido una de las cosas maravillosas que he conocido de acá y me encantaría compartirlo.Tiene varios discos, escúchalo y dime qué te parece», me comentó hace algunos días una amiga, quien me motivó a escribir al respecto.

    Mirella me hablaba de Fernando Vásquez. No tardé en convencerme en hacer lo que amablemente me pidió: una opinión. Y no sólo me motivé a transmitirla, sino que desarrollarla más y no sólo por cierta emoción transmitida en esa revelación, sino porque logré apreciar posteriormente vía Internet la interesante obra del sureño, hoy asentado en Coliumo, muy cerca de…Tomé.

    Fernando Vásquez es, si acudimos a una definición desusada, un artista integral que ha desarrollado su carrera, de casi cuatro décadas, conforme a la idea de producción cultural autónoma. Lo suyo no es sólo música, con fuerte tinte de poesía referida a su tierra y a la gente de su tierra, sino literatura. Si bien es cierto ya en 2014 contaba con un EP (cinco temas) que responde al nombre de «Lafken Mapu», el cantautor y escritor tomecino cuenta hasta la fecha con dos álbumes: «Arborescencias», de 2015, provisto de temas compuestos en diferentes etapas de su vida; y «Galaxia Tomé», de 2018, conformado por dos volúmenes. El primer largaduración referido y el primer volumen del segundo, los que en conjunto suman 26 canciones, ya están disponibles en Spotify (para acceder a ello basta con que hagas clic en estos enlaces: ARBORESCENCIAS y GALAXIA TOMÉ

    En «Tomé, Puerto del Recuerdo» (volumen 1 de «Galaxia Tomé»), Vásquez canta «Tomé, puerto del recuerdo/ con nostalgia evoco tus veleros/que abriendo un surco en el Pacífico/llevaron de tus tierras pan y sueños…A todos los vientos abierta está tu puerta /y en la fragancia de tus bosques se deleitan/ tus cerros de tantas callecitas locas/ dormidos en la tibieza de tus playas…Cruzando mares y continentes/ vinieron otros hombres que en ti creyeron/ y en telares de ilusión tejieron tu nombre/ en mercados lejanos del mundo»…Es parte de la letra del referido corte.

    Auditorios como el Centro Cultural de Tomé han sido algunos de los escenarios privilegiados donde Fernando ha dado muestra de su talento, aquel que ha tenido como importante soporte a su banda Los de Este Mundo, para que el público conozca, por ejemplo, trabajos como el volumen 1 de «Galaxia Tomé» que, por si fuera poco, es un disco-libro dedicado a la bella comuna costera de la Región del Biobío y a connotadas figuras que se han inspirado en ella mediante la poesía: Gabriela Mistral, Alfonso Alcalde (responsable del concepto «Galaxia Tomé») y Egor Mardones.

    En su nutrida experiencia vital se cruzan ciudades como Concepción, Cañete y Santiago, a las que se añade una estadía en Argentina, recorrido medianamente variopinto que no le quitó el cariño por sus raíces. En efecto canciones como «Volver a amar» y conceptos como los trabajadores y trabajadoras textiles de Tomé en «Juncos Textiles» revelan que ese afecto no sólo se mantuvo intacto sino que se fortaleció. La bendita obsesión de musicalizar la obra de poetas tomecinos y de otros autores del rubro que tuvieron en Tomé un motivo de inspiración, también ayudaron en el citado impulso creativo. El poeta local Darwin Rodríguez contribuyó en el desarrollo de la última producción musical-literaria. Cabe resaltar también el apoyo del músico Rodrigo Droguett y la escritora Grace Palavicino.

    Todas las bibliotecas y escuelas de la comuna de la comuna litoral han recibido el material más reciente del cantautor y, al respecto, hubo un importante apoyo del Fondo Nacional de Desarrollo Regional en su ítem de cultura, así como del Centro de Padres y Apoderados de la Escuela República de Ecuador, de la misma zona.

    Otro esfuerzo literario neto de la obra de Vásquez se denomina «Puentes: Relatos y Conversaciones con Canta-Autores del Biobío», en co autoría con Ángel Rogel. Dicha publicación, alusiva a 30 años de historia asociada a músicos locales, ganó en 2017 el premio Ceres en la categoría Artes Literarias-Ensayos. En el evento respectivo se reconoce a lo mejor de la cultura local en diferentes categorías.

    Proclive permanentemente a experimentar e innovar, Fernando y su banda, tal como él ha explicado, no ejecutan un sólo estilo. El tecladista David Werlinger, el guitarrista Federico Vera, el bajista Pablo Torres y el baterista Luis Fernández constituyen Los de Este Mundo. Rock, pop, rap, folk, bolero, ciertos guiños al folclor y al prog, incluso a bandas como Radiohead, son algunas características del ecléctico universo de una agrupación que, dado su potencial, deberá seguir conquistando corazones, porque la música está al servicio de la poesía y se esfuerza en tener ese espíritu, esa belleza especial.

  • Quinto Festival Internacional de Jazz de Valparaíso: distintas generaciones, variedad de estilos y mucha energía

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    Panorámica (foto: Claudia Fuentes Osorio)

    Diez bandas, unas consagradas y otras emergentes, provenientes de Chile, Uruguay y Argentina fueron parte de la gran cita musical.

    Han pasado algunos días de la tercera y última jornada del evento en sí, pero sus ecos, traducidos en verdaderas clases de jazz en ricas variantes, todavía me suenan tanto como las imágenes asociadas, aunque ya todo quede para la imaginación… Como todos los recuerdos bonitos.

    Aquel fue el espíritu del Quinto Festival de Jazz de Valparaíso, efectuado en el Teatro Municipal de la ciudad puertas durante los días 18, 19 y 20 del presente mes.

    No pongo en duda que hay elementos emocionales que confluyen en mi sentir: estaba con mi familia de vacaciones de invierno y, junto a mi esposa, no dudé en aproximarme al recinto de calle Uruguay, a un costado del Parlamento, en compañía de nuestras dos pequeñas hijas. La decisión gozaba de plena legitimidad: cada jornada del espectáculo, de carácter gratuito, comenzaba a las 19 horas, lo que le otorgaba (bendito sea) un toque evidentemente familiar.

    En cuanto a su realización, no debe pasarse por alto el apoyo de diversas instituciones públicas y privadas, entre éstas algunas asociadas a los ciudades de origen de algunos de los invitados. El municipio, encabezado por el alcalde y el concejo, brindó su respaldo aunque es ampliamente destacable el impulso de la Dirección de Desarrollo Cultural de la entidad y de un importante contingente de personas que hizo posible in situ un lindo encuentro.

    Sin embargo hay dos aspectos que distingo como sobresalientes por sobre los señalados: el primero tiene que ver con el perfil de ciudad cultural que ha ido ganando Valparaíso. En la misma semana se inició un ciclo de cine infantil en la Universidad Católica de La zona y fue anunciado, en el marco del mismo Festival de Jazz, el próximo desarrollo de los «Jueves Porteños» en el mismo teatro de la capital regional. El segundo aspecto dice relación con el fortalecimiento de interesantes redes en torno al jazz en Sudamérica, no sólo por eventuales intercambios y la posibilidad de encuentros similares al reciente, sino por la conexión con los países invitados: Uruguay y Argentina; con otros como Perú, Brasil, y Paraguay; y con ciudades como Arica, Punta Arenas, Santiago y, naturalmente, Valparaíso.

    En el ámbito de lo musical, la programación deambuló desde las big bands, pasando por una mega banda hasta los cuartetos y los tríos. Abundaron sonidos amplios, otros más íntimos, guiños al rock, a la fusión, a lo latino; lucimientos individuales, irrupción de llamativos instrumentos de cuerda y viento, sin que el piano y la batería hubiesen perdido protagonismo; voces tradicionales y rupturistas; y homenajes a Violeta Parra, Charlie Parker, Fulano y Jobim, entre otros elementos llamativos.

    Lucieron sus talentos Ensamble Quinta de la Escuela Moderna de Música, de Viña del Mar; Mirza Trío, de Santiago; y Antonio Monasterio Ensamble, el jueves 18; Arica Jazz Ensamble, de la ciudad del mismo nombre; Nicolás Reyes Cuarteto; Patricia López Cuarteto, de Montevideo, Uruguay; y Mediabanda, el viernes 19; Mauricio Farfán Cuarteto, de Valparaíso; Tren Nocturno, de Mendoza, Argentina; y Situación de Calle (SdC) Big Band, de Valparaíso (quienes aparecen en la fotografía), el sábado 20.

  • El viejo CD…¿o cidí?

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    CD (sitio Fandom)

    A esta altura no importa cómo te denominen, pero por respeto a la historia, ¡no te olvidaremos!.

    Recuerdo 1991, tiempos en que la sede de mi universidad estaba en avenida Las Condes, detrasito del estadio Palestino y del Jumbo. Tiempos veinteañeros mío y de mis amistades frecuentes, de chascas algo abundantes y desordenadas, vestir algo descuidado y desprejuiciado (se agradecen, a veces, épocas así, sobre todo ante cierto «automatismo tan burgués o neoliberal») y de sueños algo vagos y difusos por momentos. Entre la casa de mis padres -donde yo vivía- y la residencia donde vivía un amigo que estudiaba sonido, no tardaba más de 22 minutos en trasladarme vía caminata. Era lo mismo que tardaba en ir a la universidad: en efecto la casa referida quedaba unos 100 metros antes de la universidad.

    La familiaridad no es casual y siempre se recuerda con cariño, sobre todo cuando nos referimos a los últimos vestigios de clase media en un sector del oriente de la capital al que hoy le queda muy poco de clase media…si es que le queda.

    En efecto, allí en la casa de mi amigo conocí los CD -o, asumiendo la validez de la castellanización, «cidí» o, simplemente, disco compacto-; es decir, los conocí 12 años después del primer ejemplar en el mundo (el objeto fue creado en 1979). Para mí y mucha gente eran toda una novedad en 1991, como lo eran los discos láser, el antecedente de los DVD.

    No es que mi amigo fuera millonario: juntaba sus luquitas vía trabajo e invertía en aquellas verdaderas joyitas de entonces. Él estudiaba sonido por entonces y su banda regalona era King Crimson. Entre sus solistas predilectos figuraban Robert Fripp (guitarrista de los Crimson), y Brian Eno. Recuerdo que tenía un reproductor de cidís, conectado a una radio tipo minicomponente, de estupendo sonido, en el que escuchaba discos del conjunto y los músicos mencionados, entre otros ejemplares de audio.

    Quedé fascinado con el producto. Con algunos amigos míos y otros amigos de él (todos seguidores del rock en sus variantes tanto comercial como más alejada de la industria), acudíamos a su casa para escuchar toda clase de maravillas y con el mejor sonido. Distinguir con facilidad singulares efectos de guitarras y sonidos de fondo que, vía cinta de caset, no necesariamente eran detectados de buenas a primeras, era plenamente factible en el equipo armado de amigo, gracias a los discos compactos. Grupos famosos como King Crimson, Genesis, Rush, Pink Floyd o Kiss, y solistas como Robert Fripp, Brian Eno, Peter Gabrfiel o David Byrne, eran parte del repertorio de esas memorables escuchas.

    No hay duda que el vinilo, dentro de los formatos de audio clásicos, tiene también un maravilloso sonido, uno que los formatos digitales modernos difícilmente son capaces de igualar en artefactos móviles. Creo honestamente que con el cidí ocurre algo parecido usando un buen equipo como medio. Por lo mismo, ¡que gocen todos de buena salud!

    En síntesis, seas disco compacto, compact disc, CD o cidí, a esta altura no importa cómo te denominen con exactitud, pero por respeto a la historia, ¡no te olvidaremos!.

  • MediaBanda, energética música sin límites

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    MediaBanda en San Joaquín (Fanspage)

    Agrupación nacional realizó maciza presentación en Teatro Municipal de San Joaquín.

     

    Tras ser testigo de la actuación de MediaBanda el sábado 25 en el Teatro Municipal de San Joaquín, y gozar del virtuosismo instrumental y vocal del octeto liderado por el ex integrante de Fulano y de Santiago del Nuevo Extremo, Cristián Crisosto, saqué una conclusión general, aunque digna de aprecio en mi modesta opinión, respecto de aquella música que, a veces, en forma arrogante es tildada «de vanguardia» o «alternativa»: el arte de los sonidos no tiene límites ni rigideces. Si algo no nos agrada del todo, es otra historia.

    Y esa conclusión tuvo como antesala las preguntas de rigor en torno a la música tanto en su sentido de arte como desde el punto de vista de fenómeno popular: ¿tiene que ser necesariamente difícil de entender?. ¿Acaso tenemos que saber de qué se trata un tema en 3/4, 7/8 u otras fracciones para disfrutarlo?. Mi respuesta -quisiera, al menos, que se entendiera también como «modesta»- es un rotundo «NO».

    Y el sábado reciente, al ver a MediaBanda, varias consecuencias tuvo ese despliegue intrincado y juguetón de melodías y ritmos, ansioso por momentos, sereno en otros lapsos, con voces que le hacían los coros a los vientos, a la guitarra y a los teclados, pero también al revés….Y, por si fuera poco, con críticas al sistema socio-económico-político.

    Puede sonar menospreciativo revelar que detecté inspiraciones floydianas, crimsomnianas, zappianas, zeppelianas y guiños al jazz en su sentido más moderno y a la onda disco, particularmente a lo que conoce como funk…Pero creo que esos elementos también pueden ser halagos y, en la misma dirección del presente análisis, es factible detectar allí más sonidos o combinaciones interesantes, lo que también irradia claramente una gran originalidad por parte de MediaBanda.

    Rica historia

    Con 18 años de existencia, recitales en escenarios como el Teatro Oriente, la Sala SCD de Plaza Egaña, el Nescafé de las Artes y  Matucana 100; giras por Europa y México; presentaciones en festivales como el de Jazz de Providencia, Nuits Du Sud (Francia), Woodstaco (Región del Maule), de Jazz de Jalisco, y Alternativo de Querétaro; cuatro discos a su haber (el último, «Bombas en el aire» de 2017); temas potentes como «La cumbia del chileno medio», «La crisis llegó cuando estaba en el mall» y «El sofá», entre otros; y premios como el de mejor banda del año y el de mejor nuevo artista chileno en 2004 -otorgados por la Escuela Moderna de Música y la revista Wikén de El Mercurio, respectivamente-, MediaBanda tiene un importante espacio ganado en el mundo musical nacional y latinoamericano.

    No obstante, su historial es mucho más rico si nos remontamos a los años 80, en particular a Fulano, integrado por el mismo Crisosto, la cantante Arlette Jequier y el recordado pianista Jaime Vivanco, entre otros reconocidos músicos. En efecto, MediaBanda pudo ser el nombre original de aquella legendaria agrupación chilena, pero tras casi una veintena de años de trayectoria y una carrera que dio buenos frutos, el saxofonista logró finalmente impulsar un proyecto paralelo que tenía en mente curiosamente desde la penúltima década del siglo XX. Como dato curioso, parte del reciente repertorio expuesto en vivo por MediaBanda fue un homenaje a Fulano.

    MediaBanda tuvo en Crisosto, Arlette Jequier y Regina Crisosto -hija de ambos- el eje inicial y, a la vez, el inicio (valga la redundancia) de una carrera que ha cultivado en la experimentación, en el goce musical y en la formación de nuevos talentos, su verdadero motor. En efecto, 17 músicos han pasado por el octeto desde 2000 a la fecha. Además de Crisosto, MediaBanda está formada hoy por Christian Hirth en tambores; Rodrigo Aguirre en saxos y flauta;  Rafael Chaparro en saxos; Tomás Ravassa en piano y teclados; Aurelio Silva en guitarra eléctrica; Felipe Martínez en bajo y Florencia Novoa en voz.

    Si deseas saber más acerca de esta interesantísimo grupo musical, haz clic aquí: https://www.mediabanda.cl/

     

     

  • Led Zeppelin, el grupo del momento

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    En televisión danesa, 1969 (sitio Led Zeppelin)

    No sólo el documental a propósito de los 50 años de su debut discográfico ha vuelto a elevar el nombre del legendario cuarteto británico entre lo más leído y escuchado últimamente en materia de rock…Por cierto, hay más.

    No entraré en el detalle de por qué Led Zeppelin o, más específicamente, quienes fueron sus líderes indiscutidos, Jimmy Page y Robert Plant, fueron regularmente reacios durante décadas a conceder entrevistas para referirse a la carrera del cuarteto y dar origen a un material contundente al respecto, como un libro, un documental o algo por el estilo. En efecto todo lo escrito o expuesto en esos formatos fue, por decirlo con la más absoluta simpleza, no oficial o no autorizado.

    No hay duda que cierto hermetismo, una cuidada extravagancia, la gloria, los infortunios, los símbolos del cuarto disco y el profundo interés de Page por el ocultismo, son temas lo suficientemente atractivos como para querer saber más acerca de un conjunto cuya extraordinaria influencia musical es incuestionable, al margen del aval de una venta estimada de 300 millones de discos y millones de descargas por plataformas digitales, encabezadas por el clásico»Stairway to Heaven».

    Lo concreto es que desde hace algunos días ya hay una señal clara en contrario: el guitarrista y el cantante de la legendaria banda británica revelaron que dieron su beneplácito al director estadounidense Bernard MacMahon, el mismo del elogiado documental «American Epic» -sobre las primeras grabaciones de música americana de raíz en los años 20-, para realizar un documental.

    Aunque fue proyectado comercializarlo en el Festival de Cannes (evento en plena realización) y el filme ya está finalizado en bruto, éste se encuentra en fase de post producción, no tiene fecha de estreno definida y tiene como principal motivación el quincuagésimo aniversario del lanzamiento primer disco del conjunto: «Led Zeppelin» (1969),  evento que se cumplió el reciente 12 de enero.

    Tanto Page como Plant quedaron tan fascinados con el trabajo de MacMahon en «American Epic», tanto en lo sonoro como en lo visual y lo testimonial, que autorizaron al realizador a efectuar el trabajo audiovisual, que exhibirá entrevistas a ellos, al ex bajista del «dirigible plomo», John Paul Jones; y unas inéditas del fallecido baterista John Bomham; fotografías y vídeos nunca antes vistos, conversaciones con otros artistas y música del grupo en audio de alta calidad.

    Por si fuera poco

    El documental dirigido por MacMahon no es lo único que erige hoy entre los nombres más citados del planeta al del mítico grupo de hard rock formado en Londres en 1968.

    En efecto el canal Youtube de Led Zeppelin ya liberó el segundo capítulo de una serie de vídeos breves denominada muy sencillamente «Led Zeppelin History» (para conocer la secuencia haz clic aquí en estos enlaces: PRIMER CAPÍTULO, SEGUNDO CAPÍTULO).

    Cabe agregar algunos acontecimientos recientes aunque un tanto controvertidos del grupo, como el desmentido de Jason Bonham acerca de una supuesta adicción a las drogas inducida por el guitarrista cuando el hijo del baterista era adolescente; y el reciente lanzamiento del libro de investigación «Jimmy Page: la biografía definitiva» de Chris Salewicz, periodista, escritor y novelista residente en Londres, que colaboró con el New Musical Express entre 1975 y 1981.

    La publicación, según la referencia general, detalla aspectos relevantes y desconocidos de la vida del guitarrista desde su época como uno de los músicos de estudio de mejor reputación en Inglaterra hasta su lucha de poder con el otro gran referente zeppeliano, Robert Plant.

    Cabe agregar otro libro lanzado este año por la editorial Blume, titulado «Led Zeppelin, todos los álbumes, todas las canciones», del canadiense Martin Popoff, periodista, crítico y músico. Se trata de la primera edición en español del texto (la primera en lengua original es de 2017). Provista de una cuidada presentación, revisita en profundidad la obra del grupo con fotografías en blanco y negro y a todo color.

    Hablar de esta enorme banda, digna sucesora de los Beatles en popularidad y en trascendencia, da para mucho y eso no deja de ser importante: abundan reportajes acerca de su música, la relación de sus integrantes en el plano interno, éxitos, giras, excesos, aspectos extramusicales, etcétera.

    Lo que llegó y lo que viene al respecto es para disfrutarlo, no sólo para tomar en cuenta a un grupo de notables que reinventó el rock and roll, el blues, el country, el folk y hasta le hizo guiños al jazz y el rock progresivo, sino que para gozar la música en sí misma y una historia que nos seguirá deparando sorpresas.

     

  • Miguel Mateos y un verdadero eco de Virus, Viralisados, se avecinan a Chile

    Miguel Mateos
    Miguel Mateos (foto sitio 0223)

    Exponentes emblemáticos de la historia del rock argentino realizarán recitales conjuntos el 31 de mayo en el Teatro Caupolicán y el 1 de junio en el Gran Arena Monticello.

    Probablemente Mario Serra y Federico Moura sobrino, caras visibles de Viralisados, banda tributo a una de las agrupaciones más populares e influyentes del rock argentino: Virus, revelarán en los días previos al viernes 31 de mayo la naturaleza de las actuaciones programadas para ese día en el Teatro Caupolicán, de nuestra capital, y al siguiente: en el Gran Arena Monticello. Miguel Mateos, igualmente muy popular en los 80 y 90 con su grupo Zas, deberá hacer lo mismo.

    ¿Cuál es el motivo? (aunque parezca una pregunta con un respuesta muy obvia). los recitales serán conjuntos: el primero a contar de las 21 horas del último día del presente mes en el igualmente conocido recinto de la calle San Diego, en Santiago; y, el segundo, a las misma hora pero del 1 de junio en el reducto de la Panamericana Sur, ubicado a la altura de San Francisco de Mostazal, 57 kilómetros al sur de Santiago y 20 kilómetros al norte de Rancagua (por lo rastreado en las últimas horas del domingo 5 de mayo, quedan entradas todavía)

    Mateos ha estado varias veces en Chile. Viralisados ya estuvo en 2018 (ver al respecto breve presencia en nuestra TV: haz clic aquí CADA DÍA MEJOR). Una semana antes (24 de mayo) en el mismo Monticello se presentará Fito Páez. Si bien es cierto el rosarino también ya ha actuado en diversas ocasiones nuestro país y es igualmente un representante linajudo del rock trasandino, la visita del cantante y autor de «Cuando seas grande» y Viralisados, liderado por el ex baterista de Virus y por el sobrino de tres de las piezas vitales del recordado y querido conjunto platense: los hermanos Moura, me cautiva más por el hecho de compartir escenario.

    Debo confesar que siempre fui más y sigo siendo más fans de Virus que de Mateos, sin desconocer que el hombre del vozarrón -hoy de 64 años- fue junto a Zas uno de los mayores embajadores del rock del vecino país en América Latina y Estados Unidos. La potencia y sonido contundente de «Solos en América» de 1986 y «Atado a un sentimiento» de 1987 (éste último más duro y con un Mateos más histriónico) no dejan de ser un ejercicio interesante. Una vez, hacia fines de los años 80, el locutor de radio Carolina, Justus Liebig, reconoció la proyección comercial de los álbumes del argentino, aunque -enfatizó- «sin ser un prodigio de originalidad». Para ver un reciente recital del músico bonaerense y su actual grupo, haz clic aquí: MIGUEL MATEOS EN FIESTA DE LA AVICULTURA DE CÓRDOBA.

    En el caso del grupo que lideró Federico Moura -transformado en leyenda tras su muerte, hace poco más de 30 años-, dejó un legado muy valorado, cuyo peak fueron discos como «Relax» (1984), «Locura» (1985) y «Superficies de Placer» (1986). Influencias reconocidas en bandas como Miranda y Babasónicos, avalan esa herencia. Un pop elegante, provisto de sonidos deliciosamente repetitivos por sonar juguetones (nada monótonos ni aburridos), de armonías agradables de escuchar y porque invitaban a bailar; una voz que hipnotizaba por sus matices y serenidad; un show en vivo en cuya puesta en escena Federico hacía recordar a David Bowie por su mirada directa simultánea a sus palabras musicalizadas; y letras con múltiples sentidos, eran parte del atractivo del famoso conjunto que hoy tributa Viralisados, que según ha confesado el propio sobrino de los hermanos Marcelo, Julio y Federico Moura, no se se cierra a difundir temas originales (tal como se lo confesó a Alfredo Lamadrid).

    Reproduzco las palabras de la cantante y coterránea de Moura, Sandra Mihanovic, en un especial de televisión que condujo hace algunos años, sobre el mismo vocalista de Virus: “Federico apareció en el horizonte musical argentino como una explosión de color y energía. Los Virus desacartonaron la música con letras irónicas y diciéndonos que nos largáramos a bailar. Proponían salir del agujero interior, hacerle el amor a la vida. Federico no quería que nos quedaramos pegados con la tristeza. Él fue el primero en decir que la diversión no es pecado”.

     

     

  • Lucy Helena de América y del mundo

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    Foto gentileza de sitio de Lucy Helena

    Reciente éxito de single «El Vino», interpretada por la cantante nacional, refleja que las grandes cosechas nunca son obra de casualidades.

    Decidí descartar circunstancialmente otros espacios, quizás más formales u oficiales (úsese el concepto que estimen) para escribir sobre los recientes hitos de Lucy Helena, la gran cantante nacional, mi amiga.

    Decidí ocupar, como hubiese planteado Virginia Woolf, mi cuarto propio, mi tribuna; en este a caso mi propio sitio web dedicado a la música: «Rocas Alucinantes».

    Es cierto: es un espacio dedicado al rock, pero tal como lo ha dicho la propia artista homenajeada, la música es una sola y quienes cantan o quienes ejecutan algún instrumento musical no piensan en fronteras o en diferencias, sino que en seducir, cautivar, hacer soñar y, de un modo muy especial, motivar la admiración total sobre todo cuando se llega a lo sublime de esa escucha.

    Esa universalidad ha sido refrendada por Bono, la voz líder del grupo de rock U2, cuando reconoció una vez su gusto por las interpretaciones de Frank Sinatra porque, según el irlandés, Sinatra como cantante «al igual que nosotros, tiene jactancia y convicción»…Elvis Presley habría agregado «desenfado» y, John Lennon, «olvidarse del que dirán». Y cuando hay calidad y una efectiva transmisión de sentimientos, la obra es superlativa, el artista se hace notar ante el público y las señales de admiración se multiplican.

    A un año y medio de una memorable actuación en la sala de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD) de Plaza Vespucio, en la populosa comuna de La Florida – registrado en el álbum oficial «En vivo» de la querida Lu-, los hitos no han sido pocos para la artista chilena. Además de la consolidación de un club de fans (entre ellos uno Premium), el ingreso de su material a las principales plataformas de descarga de música (entre éstas, Spotify y ITunes), la entrada a un mercado enorme como el mexicano y una creciente difusión radial, creo que justamente el poderío de sus canciones ha sido, más que el cimiento para generar nuevas audiencias, el verdadero factor de seducción en sí mismo.

    «He sentido amor», «Quiero volver a ti» y, este 29 de abril, «El Vino» han llegado a lo más alto de las listas. Artistas de la talla de Maluma, Luis Fonsi, Adele, Thalía o Sting, por nombrar sólo a algunos de los más renombrados, han sido superados por estos recientes éxitos de Lu. Por si fuera poco recientemente llegó al podio de la artista más popular en la radio mexicana Gema, gracias al apoyo de los propios fans, seducidos precisamente por aquella magia que sólo brinda la música interpretada con calidad y cariño.

    Todo aquello no es suficiente para quienes somos seguidores de la cantante nacional. El pop más romántico nunca estuvo más sintonizado con la bachata, la salsa y otras músicas, bailables (así en plural, como les gusta enfatizar a los españoles). Compositores connotados como Pelo D’Ambrosio o Juan Antonio Labra puede ser testigos de peculiares versiones o interpretaciones de sus sus temas por parte de Lu. Músicos tan legendarios como Óscar Arriagada o cantantes de gran prestigio como Patricia Frías han acompañado en vivo a Lucy Helena, quien proyecta su carrera no sólo en América Latina, sino que en el mundo.

    Bono sostuvo una vez que algo así es «jactancia y convicción». Yo agrego al respecto profesionalismo, compromiso, perseverancia, crecimiento y cariño.

    ¡La música no tiene fronteras!

  • La Perra Que Los Parió: mi último gran hallazgo musical

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    La Perra Que Los Parió (foto https://rock.com.ar/)

    Se escuchan en su rico repertorio diversas variantes, pero la potencia cristalina, sin exceso de efectismos, me encantó en esta banda que nació el 2000 en el barrio de La Boca.

    Soy lector habitual del sitio de rock argentino rock.com.ar, donde no sólo centro mi atención en los consagrados y los históricos, sino que también en los nuevos exponentes del ámbito.

    Obviamente leo lo que me interesa, pero ante el estímulo de contar con archivos de audio y vídeo de descarga abierta (bendito atributo), a veces me animó a apreciar la música disponible. Es entretenido. Evidentemente, como a todo el mundo, no todo me puede gustar por igual, pero me cautivó hace algunos días una banda llamada La Perra Que Los Parió.

    El sonido de un rock sin asomo alguno de elementos artificiales, las guitarras, el bajo y la batería tal cual como es factible escucharlos como si estuvieras en una estupenda sala de ensayos, me sedujo. ¿Ska?, ¿reggae?, ¿murgas?. Se escuchan en su rico repertorio diversas variantes, pero la potencia cristalina, sin exceso de efectismos, me encantó en La Perra Que Los Parió.

    Como añadido, aunque ha pasado un mes desde su publicación en el mismo sitio, me agrado mucho la entrevista a Nahuel Cruz Amarilla, El Viejo, vocalista de la mencionada banda. Firmada por Pablo Díaz, el texto menciona la realización de actuaciones relativamente recientes de la agrupación en River con La Beriso, en Uruguay y en toda la provincia de Buenos Aires.

    Al respecto, a pesar del concepto «federal» (interesante, digno de análisis), me agrada el espíritu de la banda de asumir desafíos razonables en tiempos complejos: más allá del hecho de haber generado un millón de visitas vía streaming, sobresale la fidelidad de la agrupación con su público, el objetivo de presentarse en diversas ciudades del país (dando a entender, a su vez, que Buenos Aires no es todo) y el asumir las actuaciones en locales pequeños mirando el «vaso medio lleno»; dicho de otro modo, hacer algo de mejor calidad para sus seguidores y estar más cerca de ellos. En efecto, el nombre de la próxima gira es «Entre nosotros» (la que se desarrollará en Argentina, pero puede extenderse a países como Paraguay y Chile).

    Formado a fines de 2000, el grupo originado en el barrio de La Boca cuenta con seis álbumes y una carrera en ascenso con críticas muy favorables -que destacan su madurez y evolución de letras- y un público fiel que ha hecho de algunos lugares habituales de concierto, como el teatro Verdi, el Colegiales y La Trastienda, escenario de míticas presentaciones a tablero vuelto. También han sido parte de festivales de rock de renombre como Mezcal y Cosquín Rock, y regularmente de eventos de verano en balnearios.

    El nombre de su segundo álbum, «Por las calles» (2006), es bien simbólico: dada la falta de recursos propios de los conjuntos independientes, sobre todo en sus inicios, los integrantes hacían difusión vía graffitis en las calles y entregas de discos a domicilio. Dicho de otro modo, un gesto de afecto a sus fans. Los dos primeros discos fueron producidos por Goy, de Karamelo Santo, y los cuatro restantes por Juanchi Espada, guitarrista de la agrupación. Tienen una gran cercanía con el conjunto Las Pastillas del Abuelo.

    La Perra Que Los Parió está formada por Nahuel Cruz Amarilla en voz y guitarra, Juan Espada en guitarra, Matías Ramos en bajo y coros, Jorge Bekme en batería, Martín Seguel en saxo y armónica, Luciano Devita en trompeta, Chiche Buonacorso en teclados y Facundo Rapesta en guitarra.

    Para leer la entrevista haz clic aquí: Nahuel Cruz Amarilla: nunca abandonamos el deseo de ser una banda …

    Para quienes se encuentren en territorio del vecino país, les informo que La Perra Que Los Parió inició su gira «Entre nosotros» en Rosario a fines del mes pasado, prosiguió en Paraná, Córdoba y, a principios de mes, en La Plata. Este viernes 19 actuará en Tucumán, el 20 en Salta y, el 21, en Jujuy. Próximamente también contempla recitales en ciudades como Río Cuarto y San Juan, entre otras.

    Comparto con ustedes su canal de videoclips: CANAL YOUTUBE LA PERRA QUE LOS PARIÓ

  • Sting lanzará nuevo álbum con éxitos suyos reversionados: «My Songs»

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    Sting (foto sitio Getgo)

    Y eso no es todo: realizará nuevas actuaciones con Shaggy y participará en el Festival de Montreux.

     

    Debo confesar que, tratándose de Sting y su notable capacidad de proseguir su carrera y reinventarse allí con regularidad, me encantó el título que usó para referirse a su nueva producción, «My Songs», el sitio Humo Negro. Y es simplemente porque concuerdo con aquel: el famoso músico británico, de 67 años, no necesita producir temas cien por ciento nuevos. Él, con el largaduración próximo a ser estrenado, agarró un set generoso de éxitos archiprobados -todos temas de su autoría- de su brillante carrera, tanto con The Police como solista, y les dio nuevas formas en cuanto a su sonido. Así de simple, así de interesante. Él goza jugando con su propio material, probando intensidades y efectos inéditos como inéditas maneras de cantar los temas.

    Y podría hacerlo con mucho más de su rico repertorio: decenas de canciones propias en casi una veintena de discos avalan la creatividad del cantante y bajista. «Desde que lo conozco, creo que no ha habido un sólo día en que Sting haya dejado deja de componer aunque sea un tema», dijo una vez, en los años 80, el baterista Stewart Copeland, tiempo de apogeo de la agrupación de rock que los llevó a la fama.

    Para el 24 de mayo está previsto el lanzamiento del flamante material, que incluye una edición de lujo. Como ya señalara el concepto lo constituyen versiones diferentes a las originales, algunas de ellas en vivo. Figuran en el trabajo «Every Breath you take», «Can`t santd losing you», «Message in a bottle» y «Roxanne», pertenecientes a la época del power trío; e»If you love somebody set them free», «Fields of gold» e «Englishman in New York» de la etapa en solitario, entre otros cortes.

    Como adelanto ya está disponible es Spotify «Demolition man», original de la época de The Police; y distintas versiones para «Brand new day» y «Desert rose», de la fase solista del célebre músico.

    Respecto de las actividades venideras del británico y su banda, nuevamente se juntará con su amigo Shaggy -con quien actuó en Chile en 2018- para llevar a cabo una pequeña gira por Inglaterra a contar del 19 de mayo, paso previo a la presentación del nuevo disco referido en los párrafos precedentes. Posteriormente, participará en el Festival de Jazz de Montreux, evento donde que contará también con Elton John y Joan Báez, entre otros connotados artistas. Ahí tiene previsto su show para el 28 de junio. Al mes siguiente, el 19, actuará en Cap Roig (ver artículo aparte).

    Mayor información sobre el itinerario del músico inglés en https://www.sting.com