Categoría: Teatro

Por Gonzalo Figueroa Cea

Las canciones de la artista nacional tienen cada vez mayor presencia radial y más descargas en plataformas especializadas.

Pasan los días, las semanas y, a pesar de la mayor crudeza de una pandemia de la que todos y todas debemos cuidarnos hoy con más fuerza, Lucy Helena me sigue sorprendiendo y muy gratamente: no sólo por una belleza que va más allá de lo formal sino por todo el talento que le ha permitido, a través de hits como «He sentido amor», «Quiero volver a ti» y «Cóncavo y convexo», llegar a distintos mercados de América Latina y el resto del mundo. Y créanme que escuchar su voz es uno de los mejores antídotos, al margen de la vacuna, para afrontar con aplomo y alegría estos tiempos complejos para nuestra salud. Es una de las tantas razones que tenemos para comprender la contribución terapeútica de la música a la calidad de vida.

Vetas románticas estilo pop tradicional, caribeñas y hasta folclóricas, donde cabe la bachata, la salsa, los acompañamientos de percusión, vientos, cuerdas y piano más letras que no sólo hablan de amor sino de sentido social, una voz llena de matices, sentimientros y el pertinente histrionismo que piden las temáticas abordadas, son parte del universo de esta embajadora nuestra en el ámbito musical. No debemos dejar de mencionar entre los aspectos distinguibles el muro sonoro que involucra el respaldo de una gran banda.

Artista del mes en una radio mexicana de alto alcance en el continente, como Gema, y una de las emisoras más escuchadas por nuestras latitudes: Mix TV; protagonista de la presentación mejor evaluada del Festival de la más popular radioemisora de la frecuencia modulada: Azúcar; e invitada especial de diversos espacios similares tanto de streaming como radiales, Lu -como llaman sus más cercanas amistades, algunas de ellas agrupadas en su comunidad de fans- ha logrado obtener mayor adhesión y, por ende, nuevos/as seguidores/as con temas como «El vino», «Que sabe nadie», «Te doy tu libertad», «Camina minero» y «Torito pintado», entre muchos otros distribuidos en sus largaduraciones «Desde mi interior», «Tropilatina» y «Lucy Helena en vivo».

Éxitos de cantantes de la envergadura de Roberto Carlos, Raphael, Luis Miguel, Juan Gabriel y el chileno Juan Antonio Labra han sido objeto de energéticas reversiones en la hermosa voz de Lu. Labra y nuestras también compatriotas Patricia Frías e Irene Llano han alabado el potencial de Lucy Helena.

Dueña de una enorme sensibilidad, es embajadora de una organización mexicana con muy nobles fines sociales, sobre todo artísticos: Yokherlau Escenic. Su empática mirada no es ajena a los dolores que afectan a muchas personas en nuestra sociedad occidental y latinoamericana, razón por la cual no duda en acudir, junto a su comunidad de fans, a hogares de menores o de adultos mayores cada vez que se da la posibilidad, para regalarles un momento de rica merienda y canciones suyas.

Hace un mes se realizó el programa especial «Noche Canciones Lucy Helena el Estelar», conducido vía Radio Mix por el responsable de la «Voz del Recuerdo», Rodrigo Álvarez, oportunidad en que junto a integrantres de su staff y de la comunidad de fans recibió un disco de oro y otro de platino por las ventas físicas de su álbum «Lucy Helena en vivo» (cinco mil y quince mil copias, respectivamente). En la fotografía que comparto se reproduce aquel hito, donde acompañan a la cantante el anfitrión del programa y Fabián Rojas como representante de la directiva de la comunidad de fans.

Recientemente fue lanzado el tema «Te exijo que te vayas», el cual con su contagioso ritmo ya se está transformando en un nuevo éxito de la cantante nacional.

Los discos y canciones de Lucy Helena puedes descargarlos en conocidas plataformas de música y con la mejor calidad: Spotify, Apple Music, Dezzer y Amazon. Si deseas conocer algo más sobre ella haz clic en los siguientes enlaces:

YOUTUBE LUCY HELENA

SITIO WEB LUCY HELENA

Por Gonzalo Figueroa Cea

Conjunto de cuentos, publicado en 2014, nos lleva a un universo literario delirante provisto de seres tan extravagantes como frágiles.

No es que exista la posibilidad de que Frankenstein se convierta en realidad o que Jaime Collyer le rinda un homenaje a Mary Shelley cuando desarrolla historias donde los conceptos de ciencia y de artificialidad son capaces de llegar a confines inimaginables, pero la ficción bien hechita nos puede involucrar imaginariamente en escenarios delirantes con personajes de esas características. Y el escritor chileno lo logra con «Swingers», un clásico de su obra publicado en 2014 por Literatura Random House. 

Una mujer joven que roza la perfección en belleza y que a su vez tiene alas, un nuevo hombre primitivo, el doble del presidente de un país desarrollado, la réplica de la novia de un varón muy común y corriente, el otro (y muy distinto) yo de un profesor universitario, la resurrección de un famoso y atormentado pintor, y las posibilidades de superviviencia de un pueblo originario, entre otros personajes y situaciones, son parte del universo de delirios que nos proponen los catorce relatos que reúne Collyer en «Swingers», una obra que a su vez nos invita al mundo literario de este escritor que, situado por la crítica en el movimiento de la Nueva Narrativa, cuenta desde 1986 a la fecha con 18 publicaciones, entre éstas novelas, cuentos y ensayos, 

En el citado universo de delirios que es «Swingers» caben aventuras amorosas, intrigas, desengaños, fracasos experimentales y, por sobre todo, algo de soledad extrema y mucho de idealismo en los personajes. El cimiento de todo aquello, en una ambientación que se sitúa en la mitad del siglo XXI, es el avance de la tecnología simbolizado en una transnacional que fabrica clones y una humanidad cada vez más fría en tanto espiritualidad, con escasos deseos o manifestaciones de socialización. 

Sin duda un libro para disfrutar, pero también para reflexionar.

Si te interesa adquirir esta publicación de Jaime Collyer, haz clic aquí: «SWINGERS» DE JAIME COLLYER

Por Gonzalo Figueroa Cea

El festival materializó su décima versión y el sello cumplió 20 años. Talentosos invitados engalanaron evento en línea del 5 y 6 de febrero últimos.

La música es universal por mucho folclor, rock y romanticismo que exista. Para sentir y sobre todo disfrutar aquel estilo que nos inyecta de energía mediante alguna emoción genuina o una correcta interpretación, no necesitamos ser eruditos. Y tampoco lo necesitamos para transmitir ese sentir puro a otras generaciones. Esa es la gracia principal y, la posibilidad de presenciar en forma abierta un importante evento musical en línea cuando una pandemia nos ha privado de la posibilidad de ser testigos en directo, es de todos modos una bendición.

Y desde aquel punto de vista (pongamos, al menos, el muy modesto mío), agradecemos a Mylodon Records la posibilidad de admirar el décimo Santiago Art Rock, el segundo en algo menos de dos meses y el segundo en «Progfinamiento» (concepto usado para referirse a la realización de los recitales de denominación SAR y rock progresivo por Internet ante la vigencia potente del Covid-19). Evidentemente cabe agradecer también el apoyo de la revista Rockaxis, Arena Jam y Tarkus, entre otras firmas, para la concreción del gran encuentro virtual.

Y me cuelgo un poco de la última idea para poner de relieve un necesario lugar común: sería injusto referirse sólo a algunas de las bandas participantes pero también sería un atentado a cierta libertad de acción individual de degustar (así lo expongo) la música de estas, si voy al detalle del desempeño de cada una (además, con franqueza, sería un ejercicio algo tortuoso para leerlo: son 21 agrupaciones). Siempre será mejor, en ese sentido, extenderse poco en las palabras y disfrutar mucho las actuaciones.

Uno podría admirar a un grupo de matiz familiar como Kafod, sorprenderse con el legendario conjunto italiano Il Balleto di Bronzo, apreciar el sonido actualizado de los emblemáticos Aparato Raro, observar la potencia contagiosa de los españoles Storm o la irreverencia de los japoneses Koenji Hyakkei, pero es difìcil olvidar a otros insignes invitados del internacionalísimo y reciente Santiago Art Rock: los nacionales Kamken, Ancestro, Bizirik, Anachronos, Quarks, Tumulto Herencia Rock, SETI, Protegido, Ánima, Primavera Negra, Forceland, Evolución, Akinetón Retard, Javier Sepúlveda-Pulse of Nature, los españoles Mezquita y los mexicanos Cast.

Finalizo el presente artículo con palabras distinguidas a Juan Barrenechea, el «motor» de Mylodon Records, sello que cumplió 20 años de vida. En efecto este SAR X (o décimo Santiago Art Rock) lleva aquella mención al importante aniversario de esta compañía independiente, que tal como señalaron varios de los invitados ha sido un gran embajador-exportador y puente entre nuestros músicos y (valga la redundancia) las músicas de otros países. Te invito a conocer la generosa oferta de este sello haciendo clic aquí: MYLODON RECORDS.

Para disfrutar del reciente Santiago Art Rock haz clic en los siguientes enlaces:

SANTIAGO ART ROCK PRIMERA JORNADA

SANTIAGO ART ROC SEGUNDA JORNADA

Ver también: Y Santiago Art Rock 2020 fue un progfinamiento de alto vuelo

Por Gonzalo Figueroa Cea

Registro de colección revitaliza la obra del grupo británico, que enteró 42 años de vida el año pasado.

Cuando escuché por primera vez a Pendragon, en 1991, yo no cumplía la veintena de edad y estaba obsesionado con sonidos de rock que evitaran fórmulas básicas de guitarra-bajo-batería o con uso excesivo de rasgueos de guitarra distorsionados. En efecto me familiaricé con un rock provisto de mucha variedad de ritmos, intensidades, atmósferas y sonidos, toda clase de efectos en materia de arpegios y punteos de cuerda y los matices que el mellotron, el moog y otra clase de teclados o sintetizadores podía ofrecer.

Evidentemente estaba obsesionado con las bandas que originaron el rock progresivo a fines de los 60 y lo continuaron en los 70: Pink Floyd, The Nice, King Crimson, Jethro Tull, Emerson Lake and Palmer, Yes y Genesis, por mencionar a las de mayor notoriedad. En los 80, tras cierta relativa decadencia que llevó al Punk y al New Wave a tener más protagonismo en materia de música de guitarras duras, irrumpió el neo rock progresivo, donde claramente se distinguieron bastante Marillion, Pendragon y IQ. Aquellas agrupaciones también fueron de mi interés cuando las escuché con mayor regularidad, sobre todo a través de radio Futuro en 1991, cuando esta emisora todavía tenía un perfil más vanguardista, underground y con más resistencia a lo popular en tanto canciones tres o cuatro minutos.

En el caso puntual de Pendragon, me atrajo muchísimo «The Voyager». Doce años después tuve el privilegio de asistir a un recital electroacústico que Nick Barrett y Clive Nolan -guitarrista y cantante, y tecladista del conjunto, respectivamente- ofrecieron en el pub House, Rock and Blues cuando estaba situado en Irarrázaval, oportunidad en la que tocaron algunos temas con integrantes de la banda nacional Subterra.

A 30 años de mi primer acercamiento a la música de Pendragon y a 18 años del evento en vivo mencionado, el cuarteto británico no sólo sigue vigente y ratifica ser uno de los grupos de rock más longevos e influyentes del mundo, sino que ha contribuido al universo musical con un nuevo álbum: «Love over fear» (titulo que traducido al español es «Amor sobre el miedo»), uno de los mejores álbumes de 2020 y, en efecto, el mejor según los criterios de muchos seguidores del prog, entre ellos los lectores y el equipo de redacción del sitio rock-progresivo.com.

La incorporación de elementos de la música celta, del folk y del rock progresivo de los años 90 son parte del material de colección: tres cidís que incluyen los diez temas de la producción (entre los cuales figura «360 Degrees», con alta difusión en emisoras como The Musical Box Radio), sus versiones acústicas, sus versiones instrumentales y un colorido libro.

Pendragon no es un exponente del rock que realice obras conforme a modas o imposiciones de la industria. En efecto, a fines de 2019 su líder, Nick Barrett, enfatizó que el objetivo del trabajo es rebelarse contra la «cultura de usar y desechar» además de los pagos de Spotify, a fin de crear una obra de arte.

La actual formación de Pendragon, además de los citados y (apelando a un concepto futbolístico) históricos Barrett y Nolan, cuenta con Peter Gee en bajo y Jan-Vincent Velazco en batería.

Para obtener el álbum haz clic aquí:

COMPRA «LOVE OVER FEAR» DE PENDRAGON

Por Gonzalo Figueroa Cea

Los diversos estilos que caracterizaron a las 13 bandas participantes dieron un toque de distinción a la primera versión en línea del festival.

Cuatro horas y fracción, casi todas de pura música con sello iberoamericano y Prog más creativas puestas en escena y saludos de distinguidos amigos de los/as organizadores/as, fueron los ricos ingredientes de la versión 2020 de Santiago Art Rock, la primera realizada en forma on line debido a las ya habituales precauciones que la población debe tomar ante la amenaza a la salud del Covid-19.

El sentido de unidad y de sensibilidad en torno a la música y todo lo positivo y energético que es capaz de transmitir este arte a todas las personas, constituyeron el tono de los potentes mensajes compartidos durante la transmisión por parte de los protagonistas. Y es importante señalarlo: la pandemia nos volvió más reflexivos pero no por ello menos comunicativos. Por consiguiente la alerta sanitaria mundial nos reforzó la capacidad de entender y ejercer la subsistencia de una forma diferente sin perder el sentido del goce, tan vital para la armonía humana. 

Así, de manera gratuita a través del canal Youtube de Mylodon Records, la novena versión de Santiago Art Rock, con el impulso incansable de dicho sello y el apoyo de la revista Rockaxis y diversas voluntades en tanto personas e instituciones, nos brindó el viernes 27 y el sábado 28 recientes la posibilidad de apreciar de cerca el trabajo de bandas conocidas en nuestras latitudes y otras nuevas para nuestro siempre humilde conocimiento. Los países de procedencia: España, México, Perú, Brasil, Argentina y el anfitrión Chile. 

La música transmite emociones y, ante tal sentir, dejando de lado tecnicismos que pueden resultar muy llamativos pero no determinantes de la emoción, disfrutamos de los sonidos o nos detenemos a observar las ejecuciones instrumentales y las voces. Como ocurrió en la primera jornada, quizás imaginar las costumbres del pueblo Selk’nam a través de la propuesta envolvente de nuestros compatriotas de R-U Kaiser, asombrarse con el virtuosismo de Taurus, agrupación también chilena; los guiños volcánicos de Prognoise, de Brasil; las variantes de Flor de Loto, de Perú, con la incorporación de la quena; la exhibición de Ekzilo, de España, provista de matices progresivos que incluyen guitarra clásica y el peculiar sentido de su nombre: exilio en la lengua internacional esperanto; y el sonido etéreo y contundente del grupo Aly, de México. 

Al día siguiente el ejercicio de escuchar y ver a los conjuntos de esa jornada final fue igualmente sugerente: entre los chilenos, Ubiks contribuyó con un novedoso repertorio que aportó sentido a los sentidos (valga la redundancia); Exsimio dio una vez más muestra de sus destrezas con mucha entrega; Matraz aportó lo suyo con su notorio muro sonoro y vocal, tan atractivo como el de R-U Kaiser pero en una línea más rockera; y Juan Ricardo Weiler mostró toda su habilidad en la batería junto a una banda de extraordinarios atributos, que complementaron su música con esas variaciones que despiertan pura admiración. 

De los invitados internacionales, resaltan con claridad la energía escénica y sonora de la banda rosarina La Barca; y los macizos y originales atributos de Aurea Hibride, de México; y Qamar, de España. En síntesis, el rock lo ponen las guitarras duras; el prog lo dan los cambios repentinos de ritmo, intensidad y los distintos protagonismos de los instrumentos en cada momento singular, pero la música es universal y no admite fronteras. Es esencialmente para disfrutarla. Y así se vivió en Santiago Art Rock 2020.

Tal como expuso previamente el propio sello organizador, el material que ofrecieron los conjuntos en ambas jornadas fue mayoritariamente inédito y especialmente preparado para la ocasión.

«Juan Barrenechea, y me permito un segundo en esto, a través de su sello está desarrollando de una u otra forma el archivo nacional de nuestra música, de nuestro progresivo, de nuestra vanguardia. Por lo mismo los invito a darle un aplauso tanto a su sello como a él mismo. Es un trabajo fuerte, un trabajo de mucho hombro, de mucho punch y también, por supuesto, darse esta nueva versión en condiciones como las que tenemos por estos días es el doble del trabajo», expuso uno de los rostros de la radio Futuro, Juan Carlos «Lobo» Araneda al inicio de la segunda jornada.

Para disfrutar de este espectáculo que ya es historia haz clic aquí:

PRIMERA JORNADA SANTIAGO ART ROCK 2020

SANTIAGO ART ROCK SEGUNDA JORNADA

Por Gonzalo Figueroa Cea

El álbum del cuarteto es una de las diez mejores producciones del punk argentino según una publicación del sitio Rock.com.ar.

Justo en un año «bisagra»: 1986, cuando finalizaba mi enseñanza básica en mi condición de casi quinceañero, conocí la música de Los Violadores. Fue una inyección de energía entretenida a pesar que la música del cuarteto liderado por Pil Trafa no se refería precisamente a flores o historias románticas convencionales. Es más: el punk no es mi música regalona y nunca me he tragado demasiado su proselitismo (estoy de acuerdo con el fondo de sus ideas, pero sus formas de expresarlas me generan, en general, repulsión).

Pero ¿qué me ocurría en lo puntual con la música de Los Violadores?: no es que creyera que Pil Trafa (Enrique Chalar, cantante y líder) fuera Charly García o el guitarrista Stuka (Gustavo Fossá) Gustavo Cerati, pero si me atraía y atrae la potencia contagiosa de las canciones de este grupo no sólo para bailarlas e imaginarme tocando algún instrumento, sino para prestar atención a sus letras y cantar entusiastamente los estribillos al unísono de la radio (hoy puede ser al unísono del mismo móvil o del notebook), tal como ocurría en las fiestas adolescentes de entonces con «Prófugos» de Soda Stereo, «Luna de Miel» de Virus, «La calle es su lugar (Ana)» de G.I.T. o «La Voz de los 80» de Los Prisioneros.

Básicamente sería una fanfarronería de mi parte señalar que Los Violadores fueron la banda que mejor interpretó el sentir de la juventud argentina en la dictadura que tuvo lugar en su país entre 1976 y 1983, pero la repercusión de sus temas y sobre todo la del segundo álbum, incluso fuera de las fronteras de la nación vecina, dio cierta universalidad a su música y sobre todo un aliciente para muchachos que sintonizaban con el conjunto en el malestar en contra del sistema político- económico-social a través de mensajes tan atrevidos como directos.

Al respecto, en el caso de nuestro país, Chile, en plena dictadura no todo se reducía a los mensajes directos de Los Prisioneros o de los nacientes Fiskales Ad-Hok o los más subliminales de Aparato Raro, Emociones Clandestinas o Upa!, sino que a las letras provocativas y convocantes de Los Violadores. Quizás eso fue lo que motivó a Esteban Bycho Costa, con el apoyo de invitados extras – periodistas, músicos y productores- a realizar para el sitio web argentino rock.com.ar una especie de escalafón personal y muy subjetivo, pero no por ello menos interesante, sobre los «10 discos esenciales del punk argentino», donde figura el largaduración de 1985 «Y ahora que pasa, eh?» del cuarteto de Buenos Aires, que por entonces, además de Pil Trafa y Stuka, integraban el bajista Roberto Wojciech (el «polaco») y el baterista Sergio Gramática.

Ese disco de Los Violadores figura en el listado mencionado junto a producciones de agrupaciones como Attaque 77, No Demuestra Interés (NDI), Doble Fuerza y Mal Momento, entre otras. «Revolución Inter», «Comunicado 166», «Sin ataduras», «Uno, dos, ultraviolento» , «Nada ni nadie nos puede doblegar» y «Como la primera vez» son clásicos de aquél álbum, que contiene nueve temas.

Los Violadores son parte de la historia del rock latinoamericano, no solamente por popularidad e influencias, sino también por ser representativos de lo que son las idiosincracias múltiples de Sudamérica y, a su vez, del espíritu de rebelión de sus juventudes en momentos especialmente complejos de la región.

Esteban Bycho Costa resume la relevancia de aquel álbum a partir del principal hit, que se transformó, según el propio columnista, en un «emblema» para la juventud punk y, con el correr del tiempo, de varias bandas: «Uno, dos, ultraviolento», mención con la que concuerdo plenamente: «no importó que «Uno, dos, ultraviolento tuviera lenguaje nadsat para que el público que no había visto ni leído «La naranja mecánica» la adoptara como un himno. Gritar «ultraviolento» ya era un desafío a la sociedad, pero además la canción planteaba algo todavía más allá: ¿y ahora qué pasa? «Nos quieren transformar, no lo lograrán», advirtieron».

En relación a esta gran y legendaria banda del rock argentino, les comparto los artículo alusivos más una interesante y reciente entrevista a Pil Chalar (ex Pil Trafa) y un acceso al emblemático disco:

10 discos esenciales del punk argentino, parte 1

10 discos esenciales del punk argentino, partes 2

10 discos esenciales del punk argentino: bonus track

Pil Chalar, líder de la mítica banda punk Los Violadores: «Estamos viendo los funerales del rock»

Y ahora qué pasa, eh? (álbum)

Por Gonzalo Figueroa Cea

La primera banda noruega en alcanzar un número 1 en Estados Unidos, produjo en 1988 un álbum que está entre los mil mejores según La Discoteca Ideal de la Música Pop.

No es que creyera que A-ha fuera The Police o The Cure, o que Morten Harket fuera Sting o Robert Smith, pero había algo que me atraía mucho de aquel trío noruego, superventas y visitante asiduo de rankings radiales y de videoclips en la segunda mitad de los años 80 y el inicio de los 90, y que se afincó en Inglaterra para el despegue de su carrera. Evidentemente la potencia contagiosa, hiperbailable y sensual de éxitos como «Take on me» o «Cry wolf» me sedujo en plena adolescencia y …en algo me creí Morten Harket (aunque él debe tener varios centímetros de altura más que yo).

Pero no quisiera centrarme en esos delirios característicos de una corta edad, sino que en el potente tercer álbum del grupo escandinavo: «Stay on These Roads», destacado en La Discoteca Ideal de la Música Pop (Los 1000 mejores discos del pop-rock) de José Ramón Pardo, uno de mis libros regalones a la hora de referirse a la historia de la música popular del siglo que pasó (ya incluí dos artículos alusivos a esa importante publicación de 1997, cuyos enlaces están más abajo).

A una amiga le encanta Morten en su integridad y es fan del trío nórdico. El líder y cantante de A-ha tiene hoy 61 años de edad. Seguramente ella recuerda que el 19 de octubre reciente radio Concierto destacó que se habían cumplido 35 años de un importante hito en la trayectoria de la banda que también integran el tecladista Mags Furuholmen y el guitarrista Pal Waaktaar: cuando el clásico «Take on me» fue número 1 en Estados Unidos, lo que significó además que el conjunto quedara en la historia como el primer artista noruego en tener aquel privilegio en el mercado más importante de la industria musical planetaria (el llamativo videoclip, mezcla de comic animado con una situación casi muy cotidiana, es el quinto producto del rubro canciones de Youtube que supera el billón de reproducciones).

Volviendo a «Stay on These Roads», publicado por Wea hace 32 años, sería ocioso concentrar su mirada en las canciones «filete» comercialmente hablando: «Touchy», «The Living Daylights (escrito en conjunto por Waaktaar y John Barry para una película de la saga de James Bond), «You are the one» o «The Blood that moves the Body» o los entretenidos vídeoclips de correcta edición y protagonistas esculturales.

Subsidiando lo que señala el libro aludido, me atrae el tono de pop épico arropado con un sonido electrónico fuerte y envolvente en la mayor parte del largaduración, y donde se distinguen canciones como la que le da el nombre a la producción y el también mencionado «The Blood that moves the Body». Un par de datos interesantes que agrega la publicación de Pardo en sus líneas dedicadas a A-ha tiene alusión a un par de hitos no menores en la carrera de los noruegos: «Stay on These Roads» (algo así como «Quedarse en estas carreteras» en español) fue lanzado tras una larga gira mundial (sin duda el cúmulo de experiencia contribuyó a la construcción de un disco sólido) y, en 1991, la agrupación batió todos los récords de asistencia en su actuación del festival Rock in Rio.

Según informó el sitio de radio Rock and Pop agosto pasado, el recital que A-ha debió realizar en Chile hace poco más de un año, se pospuso para el 29 de agosto de 2021 en el Movistar Arena de Santiago.

Descarga acá el álbum: Stay on These Roads (1988)

Revisa acá artículos asociados a la publicación de José Ramón Pardo: La Discoteca Ideal de la Música Pop (haz clic en el enlace)