rocasalucinantes.com

Categoría: Teatro

  • «Eleanor Rigby»: el himno de la gente sola

    The-Beatles-3
    Paul McCartney (Imágenes de los Beatles)

    Uno de los mayores éxitos de la rica trayectoria de los Beatles, también encierra una curiosísima historia.

    Siempre me gustó «Eleanor Rigby». Creo que es un tema bello, agradable de escuchar y muy atractivo, que demuestra lo que ya eran capaces de hacer los Beatles en tiempos de búsqueda de nuevos horizontes musicales y, paulatinamente, acercándose al estilo rupturista e innovador, dentro de rock, de «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», publicado en 1967.

    Cabe recordar que «Eleanor Rigby» pertenece a «Rubber Soul», lanzado el año anterior. También fue editado en single y fue otro número 1 de los ingleses en los rankings. 1966 fue también el año en que los Beach Boys sorprendieron al mundo con «Pet Sounds».

    Pese a que Paul McCartney y John Lennon firmaron como dupla compositora la mayoría de los temas de los «fab four», posteriormente se supo de desacuerdos entre ambos por la autoría de, al menos, dos éxitos del cuarteto de Liverpool.

    «John había afirmado que le pertenecía más del 70 por ciento de la letra de «Eleanor Rigby» y Paul recordaba haber escrito la música de «In my life», señala Barry Miles en el libro biográfico «Paul McCartney: hace muchos años» (1997).

    «Ola Na Tungee»

    Según consigna el propio Paul en el texto mencionado, «Eleanor Rigby», como tantos otros éxitos de los Beatles, tuvo su origen en el cuarto de música de la señora Asher, madre de Jane, la entonces novia del bajista, en la casa de la respectiva familia, ubicada en la calle Wimpole, de Londres, donde residió él parte de los años de mayor actividad de los «4 de Liverpool».

    The-Beatles
    Los Beatles (Imágenes de los Beatles)

    «La compuse en el piano, improvisando sobre un acorde en mi menor; lo dejé estar como un acompañamiento a ritmo improvisado y le puse una melodía encima. Tenía casi unos ritmos asiáticos indios», declara Paul en la biografía.

    En el mismo libro el cantante Donovan recuerda haber escuchado «Eleanor Rigby» antes de que Paul terminara la versión final. De hecho todavía no tenía la letra definitiva. «Él me hizo escuchar una melodía sobre un tipo extraño, que se llamaba «Ola Na Tungee», explica al respecto el escocés.

    Pero Paul siguió trabajando la letra en la avenida Cavendish. «Me lo pasaba murmurando de un lado al otro hasta que al fin se me ocurrieron estas palabras: «Picks up the rice in a church where a wedding has been» (junta el arroz en una iglesia donde ha habido una boda). Esas palabras salieron simplemente como un fluir de conciencia, pero comenzaron a establecer el tono de toda la canción, porque después tienes que preguntarte: ¿Qué quise decir? Es algo extraño: la mayoría de la gente deja el arroz ahí, a menos que la mujer trabaje haciendo la limpieza. Así que existe la posibilidad de que se dedique a limpiar la iglesia, ¿o es algo más intenso? Podría ser una mujer soltera y solitaria de esa parroquia, que no va a poder casarse, y fue eso lo que elegí. Así que ésta se convirtió en una canción sobre la gente sola», argumenta el músico en la publicación.

    ¿Existió Eleanor Rigby?

    «Me dicen que existe una lápida con el nombre de Eleanor Rigby en el cementerio de Woolton, por donde John y yo solíamos pasear, pero en Gran Bretaña podría haber mil lápidas con el nombre Eleanor Rigby», sostiene Paul, quien en el mismo texto reconoce que le gustaba el nombre Eleanor, quizás inspirado por la actriz Eleanor Bron, quien actuó con los Beatles en «Help!». Respecto del apellido, Rigby, le agradó luego de haberlo visto en la calle como nombre de un negocio viejo.

    The-Beatles-4
    Paul y Ringo Starr (Imágenes de los Beatles)

    En relación al personaje de la misma canción, «father McKenzie», a John le atraía más «father McCartney», pero finalmente Paul prefirió «McKenzie» tras leer nombres en una guía telefónica. Tampoco se trata de alguien real, pero para Paul era muy relevante considerar el apellido tal cual por el espíritu serio del tema. El criterio para elegir nombres de personajes en otras canciones era diferente: Chuck o Nancy, por ejemplo, podían tener una connotación más festiva.

    Una vez terminada «Eleanor Rigby», Paul le hizo escuchar el tema a Marianne Faithfull y Mick Jagger, a quienes les gustó mucho. Marianne, incluso, quería la canción para ella, pero Paul no le concedió lo que habría sido un honor a su amiga.

    http://www.youtube.com/watch?v=Clg8konMq94

  • «La historia del rock and roll» de Mark Paytress: guía para conocedores medianos del rock

    Historia-del-rock
    JC Lanaway

    Publicación lanzada en 2011 cuenta con material dividido en seis décadas, con cronologías de acontecimientos fundamentales en la historia de la música de guitarras duras y un atractivo glosario.

    En la última película de la exitosa saga fílmica «Indiana Jones»: «El reino de la calavera de cristal» (2008), hay una escena de un bar muy representativa del espíritu rock and roll: el joven Mutt (Shia LeBeauf), un personaje tributo a Marlon Brando y James Dean, le propina deliberadamente una bofetada a otro muchacho para generar una confusión en el lugar, atiborrado de gente y sobre todo de adolescentes, y así evitar que él y el veterano profesor Jones fuesen raptados por dos agentes de la KGB.

    Lo que vino después en la escena fue una gresca generalizada que finaliza con una espectacular persecución. ¿La música de fondo? El clásico de Bill Haley and His Comets, «Shake, Rattle and Roll».

    Aunque la cinta está ambientada en 1957 y el rock and roll nació, más o menos oficialmente, un par de años antes, la situación referida allí refleja una especie de quiebre fuerte, una dispersión y, sin duda, una frenética carrera, como ocurre en los restantes largometrajes del popular héroe norteamericano mencionado (interpretado magistralmente por Harrison Ford). No está de más añadir que hay otras dos escenas de la película citada que tienen (como dirían en radio Futuro) harto rock: las huidas del protagonista en un turborreactor y de una prueba nuclear.

    Elvis
    Elvis Presley (Michael Ochs/Getty Images)

    Han transcurrido casi 60 años de esa especie de bing bang de la música popular. Mucho se ha escrito al respecto y no se titubea, al hacer resúmenes de lo más relevante de estas seis décadas de rock, en nombrar a Elvis Presley, Chuck Berry, el mismo Bill Haley, los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan, The Doors, Eric Clapton, Jimi Hendrix, David Bowie, Pink Floyd, Led Zeppelin, Sex Pistols, Michael Jackson, Madonna, U2 y Prince, entre otros y quizás sólo por citar a los exponentes más influyentes o populares, al menos, hasta 1989.

    Panorama amplio y disperso

    Desde esa fecha en adelante el panorama es más amplio, disperso y difícil de analizar. Desde mi punto de vista creo que es absurdo hacer una especie de resumen de los últimos 25 años de rock y no nombrar, por ejemplo, a Nirvana, Oasis, Blur, Radiohead y Coldplay. Por muy subjetivo que fuese el ejercicio de recabar información sobre los grupos o solistas más influyentes, debe hacerse el esfuerzo.

    Aquél es el espíritu que anima al grueso libro «La historia del rock» del destacado escritor especializado en rock y música popular, Mark Paytress, colaborador habitual de MOJO, quien en este texto brinda también un generosísimo espacio a la historia más clásica y fundacional de la música de guitarras duras, perteneciente a las cuatro décadas precedentes.

    La publicación, de la editorial Parragon, salió a la luz en 2011 y es un interesante compendio para entendidos medianos en rock: personas que manejan parcialmente la jerga de esta música.

    Bowie
    David Bowie (Michael Ochs/Getty Images)

    El exclusivo volumen tiene páginas con fotos a todo color, con un historial dividido por décadas, con referencias sobre diferentes artistas, su trascendencia, los discos más emblemáticos, las corrientes más determinantes (las que no necesariamente se enfocan en las guitarras duras), una especie de brevísimo diccionario (o glosario) de conceptos de la cultura rock: blues, hard rock, punk rock, hip-hop, etcétera; y una  cronología que, como aquella maravilla llamada Delorean, capaz de hacer viajar en el tiempo en «Volver al futuro» (1985), nos transporta imaginariamente a fechas clave de … la historia del rock.

    En el plano personal, agradezco a quienes me obsequiaron un ejemplar de este texto: conocen claramente mi gusto e interés intelectual por el rock.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=iV69uWryfGQ]

  • Fito, Cerati y Charly: grandes en energía y sintonía

    Fito Páez
    Fito Páez
    gratismusica.org

    Ante el mar de alternativas audiovisuales que hoy nos ofrece Youtube, rescato un momento con estos tres grandes del rock argentino.

    Esa apabullante y gran herramienta llamada Youtube me ha permitido acceder a todo aquello que, en el ámbito de la música popular, vi lejano durante muchos años debido a que la tecnología no avanzaba tan vertiginosamente como ahora y desde hace algunos años ocurre.

    Fue en Youtube donde pillé un extracto, un momento, un legendario lapso en que un tridente destacado de músicos argentinos se lucía en un muy exclusivo lugar de Buenos Aires llamado Gran Rex.

    El responsable de subir el video respectivo (instalado abajito de este texto) puso como fecha del evento el 13 de noviembre de 1999. La secuencia dura tan sólo 17 minutos y medio, pero es una gran muestra de la energía y sintonía de Fito Páez, Gustavo Cerati y Charly García.

    “¡Gracias por venir!”

    Páez, García y Cerati siempre han ido por carriles distintos. Páez en su permanente búsqueda de la audacia musical, sus interesantes hallazgos y el mensaje irreverente y poético complementados con su agudeza vocal; García, quizás ya no tan prolífico como en los 70 y los 80, pero siempre extrovertido, gracioso, histriónico y, de alguna manera, siempre innovador; y, Cerati, alejado desde hace un par de años del grupo que lo llevó a la fama: Soda Stereo y con una carrera solista que ya había despegado por entonces y muy alto en materia de exploración de sonidos y metáforas.

    Cerati
    Gustavo Cerati
    fundacionkonex.com.ar

    La presentación de Fito al inicio revela esta sintonía y el sentido de admiración entre él y los otros dos superclase del rock argentino: “tenemos a uno de los músicos, a uno de los artistas más genuinos y legítimos del pop mundial. Es un honor presentar esta noche conmigo a Gustavo Cerati”, enfatiza el rosarino, a lo que siguen efusivos aplausos.

    “¡Aloja!” responde con entusiasmo y sonriente un agradecido Cerati, antes de arrancar con “Puente”, un tema de ritmo reposado al principio, donde la guitarra eléctrica comanda la música, muy en función del lucimiento vocal y su mensaje, y cuyo estribillo viene a dar la sensación de un clímax donde el ex guitarrista de Soda Stereo canta: “gracias por venir” junto a Fito.

    De pronto aparece Charly, con su clásico de 1984, “Cerca de la Revolución”. No obstante, no es Pablo Guyot quien lo acompaña en la guitarra principal, sino que Cerati; y, en las voces, Fito, como ocurriera 15 años antes, y el ex Soda acompañan al ex Sui Generis. Luego viene el añadido de los lucimientos de Gustavo, quien eleva a la altura de las nubes el sonido de su guitarra, y del propio García, quien toca el piano al más puro estilo Jerry Lee Lewis.

    Cierra la breve y energética secuencia “Ciudad de Pobres Corazones”, tema que da el nombre al mismo disco que publicara Páez en 1987. La interpretación es repartida casi en forma equitativa por los tres músicos aludidos en perfecta armonía con el resto de la banda. Todos, por cierto, partiendo por los líderes naturales, muy entusiastas, casi como poseídos.

    ¿Por qué recalco esto de expresar lo que siento por la música? 

    No soy músico: soy periodista. Pero soy un convencido de que una cosa no me invalida para opinar sobre la otra. Claro: desde un punto de vista técnico, apenas sé un puñado de notas de guitarra y, en un teclado de juguete (evidentemente más propio para el uso de mi pequeña hija), soy capaz de sacar la melodía característica de “la Novicia Rebelde”, que no es tan complicada. Por lo tanto, difícilmente podré referirme a aspectos técnicos de la música.

    Charly
    Charly García
    abrocomillas.com.ar

    Sin embargo, la música es un vehículo de emociones y, desde ese punto de vista, puedo manifestarlas, como lo he hecho varias veces sin pretender de dármelas de crítico musical. Tampoco he pretendido (valga la redundancia) hacer diferenciaciones a la altura de un licenciado en arte o un experto en estética acerca de qué es una percepción o qué es una sensación.

    Pero a lo mejor un día lo hago y, francamente, creo que sería un bonito homenaje al recordado músico Luis Advis, de quien tuve el privilegio de ser su alumno en mis tiempos de estudiante de periodismo de la Universidad Bolivariana.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=BTo-m27wGwg]

  • Los Beatles: imágenes para conocerlos mejor o simplemente recordarlos

    The Beatles
    «Imágenes de los Beatles»
    Mercado Libre Argentina

    Del grupo de rock más influyente y popular de todos los tiempos se ha escrito harto, pero «Imágenes de los Beatles», libro de fotografías y breves textos, constituye un interesante resumen.

    «Imágenes de los Beatles», publicado en 2008 por Parragon Books, es una especie de álbum de fotos del cuarteto de Liverpool, consistente en instantáneas de gran calidad sacadas del archivo del Daily Mail y recopiladas entre 1960 y 2004.

    Pero lo interesante no se detiene en las fotografías sino que se extiende a los breves textos que permiten explicar las evoluciones e involuciones del grupo de rock más famoso de todos los tiempos. Dicho de otro modo, esas leyendas arman una resumida historia.

    Y allí no sólo quedan de manifiesto los aspectos archiconocidos de los «fab four», como los comienzos difíciles entre el Cavern de Liverpool y los boliches de Hamburgo, el despegue con «Love Me Do, la introducción a la marihuana motivada por Bob Dylan, la experimentación con LSD y la etapa vanguardista iniciada con «Rubber Soul» y finalizada con los atractivos individualismos de «Abbey Road», la contribución de George Martin como el quinto beatle y la influyente irrupción de Yoko Ono.

    Al respecto, la publicación arroja interesantes conclusiones que permiten ratificar ciertos aspectos no siempre visibles de lo que fue y ha sido la trayectoria de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr: la reputación de Brian Epstein como gran representante del grupo pero mal negociador de contratos, el desconocimiento cabal que tuvo la agrupación durante años acerca de sus ingresos, la fama de John como vanguardista y crítico del sistema tanto en el plano político como económico y, como contrapartida, la fama de de Paul como el beatle de mayor éxito como solista aunque no siempre receptor de criticas satisfactorias, los guiños de George y Ringo con el cine, etcétera.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=7kKqg05gXEI]

  • Vangelis: «Spiral», sonidos en distintas direcciones

    Vangelis Spiral
    Vangelis «Spiral»
    Progarchives.com

    Ya con 70 años de edad, quizás estará de más decir que el músico griego ha demostrado todo lo que sabe. Pero ésa es la gracia: uno nunca deja de sorprenderse con él. Y con el disco de 1977 me ocurre, una vez más, aquello.

    Al igual como ocurre con otros maestros de la teclas y de la música electrónica, como el japonés Tomita, el alemán Klaus Schulze, el francés Jean Michel Jarre o el británico Rick Wakeman, el desempeño musical del griego Vangelis Papathanassiou me genera mil pensamientos y sensaciones que se cruzan y entrecruzan. Por cierto, siento una gran admiración por todos ellos y podría llenar hojas de hojas escribiendo al respecto.

    Sin embargo, no pretendo hacer aquello ni tampoco comentar, aplicando teoría y práctica musical pura, la música de cualquiera de ellos . Evidentemente no es la pretensión de este modesto blog.

    En el caso de Vangelis, al margen del breve comentario «espiritual» acerca del disco que elegí: «Spiral» de 1977, hay dos aspectos que no puedo dejar de soslayar: ¿pudo ser el tecladista de Yes? Pudo serlo. No sólo por su amistad con el líder de la banda, Jon Anderson, y sus colaboraciones con aquél ya como dúo, sino porque promediando los años 70, mientras Wakemen iba y volvía, y el suizo Patrick Moraz reemplazó a éste por un tiempito, el tecladista griego «sonaba fuerte» como un eventual sucesor de aquéllos en el quinteto británico de rock progresivo.

    ¿Cuál es el otro aspecto de la música de Vangelis que no puedo dejar de lado? Muy simple: la facilidad de ir de lo épico, como en «1492» (música del filme sobre el descubrimiento de América) a lo espacial, como en el caso de «Spiral», su duodécimo álbum, publicado en 1977, cuando el tecladista ya había establecido Inglaterra como centro de operaciones, tras un paso por Francia.

    Spiral: ecos en pleno espacio sideral

    Vangelis
    Vangelis
    Vangelismovements.com

    Tal como lo insinúo en el título: «Spiral», de 39 minutos de duración y cinco temas, es como un conjunto de sonidos que arrancan hacia distintas direcciones, se juntan, se entrelazan, divergen, convergen, a veces se convierten en ecos en pleno espacio sideral, se aceleran, otras tantas veces se serenan, permiten hacernos soñar, nos brindan la sensación de hacernos volar, etcétera.

    En efecto, el tema que le da nombre al disco y que es el primero de la secuencia, me recuerda a los tiempos en que daban noticias científicas en el noticiario de canal 13 o cuando daban el programa «Cosmos», de Carl Sagan, en la misma estación.

    Allí ponían imágenes de satélites, planetas o galaxias mientras paralelamente se escuchaba «Spiral» y el conductor o comentarista se refería a algún importante descubrimiento científico o a algún acontecimiento alusivo a la NASA, por ejemplo. ¿Quienes narraban las informaciones alusivas? Los recordados José María Navasal y Hernán Olguín, y otros hombres del periodismo nacional que también han dejado huella como Bernardo de la Maza o Julio Prado.

    Eso fue a fines de los años 70 y durante una gran parte de los 80. En fin, tiempos en que, quizás por factores no precisamente culturales, la cultura (valga la redundancia) en la TV «visitaba» con regularidad los hogares chilenos…Y, a veces, con música de Vangelis.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=OIl0rlR7zgU]

  • Iron Maiden: doncella de hierro siempre bienvenida

    Iron Maiden 2013
    Gráfica tour 2013
    Elacople.com

    Con la última y muy reciente actuación, la banda británica ya ha realizado siete presentaciones en nuestro país. Pero la historia del legendario conjunto invita a rememorar mucho más.

    La legendaria y activa agrupación británica Iron Maiden no sólo es un emblema del heavy metal y de la historia del rock de guitarras duras a nivel mundial, sino que es el número artístico del Hemisferio Norte que, por sí solo, más ha atraído público en Chile en materia de espectáculos masivos desde siempre.

    Afortunadamente bien atrás, en el tiempo, quedaron las ridículas acciones de organizaciones religiosas que impidieron lo que hubiese sido su primer concierto a principios de los años 90. Pero no quisiera quedarme estrangulado en ese episodio y tampoco hacer un comentario del reciente recital de Iron Maiden, porque de todo eso ya se ha escrito y hablado lo suficiente.

    Tampoco pretendo darle espacio a los comentarios de los seguidores, quienes mayoritariamente quedaron muy satisfechos con el espectáculo, sobre todo considerando que fue el miércoles 2 en el Nacional y tuvo el mérito de tener lugar en una semana en que los melómanos rockeros chilenos, en Chile mismo, fueron testigos de presentaciones de grupos como Megadeth, Slayer, Alice in Chains y Black Sabbath.

    Un lejano 1983

    Recuerdo que el concepto «heavy metal» lo escuché por primera vez en 1983, pero en una forma un tanto torcida. Tenía 11 años, estaba en quinto básico y Iron Maiden ya era uno de los exponentes más rutilantes del metal pesado. Sin embargo, cierta «falta de mundo» de la crítica especializada tendía a asociar el heavy metal con conjuntos más «poperos metaleros» como Quiet Riot o Twisted Sisters.

    Eran tiempos simpáticos: los Maiden y Metallica no vendían tantos discos como Madonna o Michael Jackson, ni tampoco tenían tantos hits en las listas de éxitos como ellos, pero llenaban estadios de fútbol y hacían largas y exitosas giras.  Ya, por entonces, al igual que otras bandas tocadas por la varita mágica de la gloria, los Maiden demostraban su talento en las zonas más requeridas de los circuitos itinerantes de la música popular en el Hemisferio Norte:  Estados Unidos y Europa.

    Iron Maiden 1982
    Iron Maiden 1982
    Maidenrevelations.com

    Latinoamérica no se quedaba tan atrás, al menos en materia de difusión. Recuerdo que entre 1985 y 1988, cuando dominaban el rock latino y artistas como los mexicanos Luis Miguel, Juan Gabriel o el trío femenino Pandora, los seguidores chilenos de las tendencias de guitarras más duras y crudas marcaban presencia en distintos y exclusivos lugares, como el gimnasio Manuel Plaza de Santiago.

    Había muchas bandas inspiradas en la «doncella de hierro» o en Metallica y, aunque por esa época se veía bien lejano el día en que estas agrupaciones tocarían en nuestro país, algunos conjuntos formados por adolescentes se daban el trabajo de rendirle tributo en actividades de colegio y recitales en gimnasios.

    Recuerdo que Francisco Moreno, bajista del grupo Requiem, formado también por el recordado Julián Durney, admiraba fundamentalmente a Steve Harris, bajista de los Maiden. Corría 1988 cuando, motivado por Moreno, puse especial atención en el desempeño de Harris al escuchar los discos y pensé, casi como efecto inmediato, «éste tipo es una bestia con el bajo: lo toca a una velocidad endemoniada y admirable. ¡Es un shock en el oído y en el ánimo!…¡Positivo, por cierto!»

    Me llamaban la atención las tapas, imágenes interiores y los nombres de los álbumes: «El Número de la Bestia», «Pedazo de Cerebro» o «El Séptimo Hijo del Séptimo Hijo». La voz de Bruce Dickinson también me alucinaba: no tenía nada que envidiar a Freddie Mercury en potencia y, además, creo que es y sigue siendo más intenso que los intensos (valga la redundancia) Robert Plant, Ian Gillan y David Coverdale.

    Otras cosillas

    Lo del supuesto satanismo de las letras será asunto de otro análisis, quizás citando a Humberto Lagos, el gran estudioso de la sectas. Por de pronto, sólo quisiera quedarme con la idea de que Iron Maiden es un grupo con una cantidad de energía impresionante y una extraordinaria capacidad de energetizarme mediante la escucha.

    Como corolario a esta semblanza de los Maiden, a mediados de los años 90 mi padre me obsequió un álbum de ellos para la Navidad, sin saber si me gustaban demasiado: se lo agradezco enormemente. Todavía tengo el CD: «El Séptimo Hijo del Séptimo Hijo» (1987), hoy mítico. Por añadidura, uno de mis sobrinos es un gran seguidor de esta «doncella de hierro», hoy tan querida por los amantes de las guitarras duras en nuestro país.

    ¡Salud, doncella de hierro!

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=XszMdDJ7WQ0]

  • Siete momentos clásicos de la música chilena: antojadizos por cierto

    Volcan-Puntiagudo
    Puntiagudo
    Guioteca.com

    Incluí tanto folclor como lo que encaja en música popular propiamente tal. ¿Los elegidos? Violeta Parra, Los Ramblers, Víctor Jara, Los Jaivas, Los Ángeles Negros, Florcita Motuda y Fernando Ubiergo.

    Hace algunos días decidí libremente compartir algunos temas de la música nacional con mis redes de contacto. Deje de lado, al respecto, todo criterio o especificación. Es cierto: la gama de artistas podría haber sido más numerosa, pero me quedé con los que aparecen acá detallados, tanto por significar algo importante para mí como por su contribución a la música chilena en general.

    1-«Gracias a la Vida» de Violeta Parra en la interpretación de Mercedes Sosa:

    La legendaria Violeta Parra fue parte del repertorio regular de la emblemática y recordada cantante argentina . No sólo cantaba «Gracias a la Vida» con mucha emoción, sino que le dedicaba hermosas palabras a la cantante nacional referidas a su origen y figura, previamente a cada interpretación, como acá en este recital del Luna Park, realizado en Buenos Aires en 1984.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=UO-7uUQFN0c]

    2-«A mi Amada» de Los Ramblers:

    Tras más de cinco décadas de existencia y al mando de su director y principal compositor, Jorge Rojas Astorga (un personaje a la altura del ya recordado Jorge Pedreros dentro de la Nueva Ola chilena), Los Ramblers es una de las bandas chilenas más populares dentro y fuera del territorio. El «Rock del Mundial» elevó su audiencia extraordinariamente en 1962, pero también destacan en su repertorio una diversidad de éxitos, como «A mi Amada». El cantante original fue Germán Casas pero la interpretación de Vicente Fernández no deja de tener el mismo sentido romántico que el de la versión de estudio.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=rOT3-GlbZws]

    3-«Como quisiera decirte» de los Ángeles Negros:

    Con Los Ángeles Negros, oriundos de la localidad de San Carlos de la Región del Biobío, ocurre algo similar a lo que aconteció en la trayectoria de los Ramblers: no sólo por los guiños al rock en los años dominados mundialmente por los Beatles y los Rolling Stones, y la Nueva Ola en Chile, sino por el hecho de ser una agrupación ampliamente reconocida tanto dentro del país como fuera de él. La inconfundible y temblorosa voz de Germaín de la Fuente es sólo uno de los sellos de un tremendo grupo musical.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=bhiUxUCo4T4]

    4-«Tango Caribe» de Fernando Ubiergo:

    No tiene que ver necesariamente con folclor nacional. Más bien tiene un tufillo a tango y a Caribe, tal como lo señala el título, pero es latinoamericano y, al respecto, sólo esa condición pesa más que muchas otras juntas. No hay duda que «Agualuna», «Un Café para Platón» y «El Tiempo en las Bastillas» son grandes clásicos del destacado cantante y compositor nacional, pero «Tango Caribe», para mí al menos, tiene un lugar bien ganado en ese set.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1nMGItQikhA]

    5-«Tírale un Ajo» de Florcita Motuda

    En los mismos tiempos de «Brevemente…Gente» (1977) Florcita Motuda nos regalaba este «Tírate un Ajo», donde le cantaba a Mariana. Esta especie de Frank Zappa chileno, como bien alguien lo catalogó por allí, nos sorprendía con composiciones llenas de sentido, no sólo del humor sino que también en materia de mensajes, todos cargados de sabiduría e ironía. Además se distingue hasta el día de hoy por un rico repertorio, histrionismo al cantar y llamativas vestimentas. El vídeo corresponde a una presentación durante la huelga de los trabajadores de ADN.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=Wwxtck3vbOg]

    6-«Foto de Primera Comunión» de Los Jaivas:

    Los Jaivas cumplieron 50 años de existencia este 2013 y sería ocioso extenderse sobre su enorme relevancia, historia y, por añadidura natural, influencia entre los conjuntos de rock nacional, cuando se le han dedicado extensas y merecidas líneas en diversos medios informativos. Sin embargo, quise compartir este casi recóndito clásico suyo de hace algunas décadas con un hermoso set de imágenes del recuerdo, tanto fotográficas como en movimiento. Cabe resaltar que, al igual que los Ramblers y los Ángeles Negros, Los Jaivas triunfaron ampliamente en el extranjero.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=la2lYOsJ9Zc]

    7-«La Partida» de Víctor Jara interpretado por Inti Illimani:

    Tal como me ocurre con Los Jaivas, no quisiera extenderme demasiado acerca del aporte del recordadísimo y gran Víctor Jara, sobre todo por los múltiples homenajes que ha tenido. Comparto en esta ocasión el clásico instrumental «La Partida» en la interpretación en vivo de los siempre notables Inti Illimani. Sin duda, al igual que en el caso de Violeta Parra, el legado de Víctor Jara traspasa fronteras.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=PCRybo2o8XY]

  • Peter Gabriel: «Sledgehammer», «mazo», «maza» e historias

    Peter Gabriel
    Peter Gabriel
    entertainment.ca.msn.com

    Por Gonzalo Figueroa Cea

    El gran hit de un artista que en sus casi 50 años de trayectoria ha rehuido del éxito fácil, es igualmente un tema que llama la atención por el tono casi humorístico de la letra y un videoclip inolvidable. 

    Recordar el mayor éxito comercial del gran Peter Gabriel, me remite automáticamente a tres episodios de mi existencia: los dos primeros ocurridos en la segunda mitad de los años 80, cuando yo era un adolescente, y el restante a principios de los años 90, ya transformado el suscrito casi en un veinteañero que iniciaba su período universitario.

    El primer episodio fue el impacto que me provocó el videoclip de «Sledgehammer», una trabajo de animación muy creativo que arranca con las divertidas muecas del ex líder de Genesis, por aquel entonces un treintón que ya era considerado todo un vanguardista de la música popular.

    El video era exhibido por el programa «Más Mùsica» de canal 13, conducido por una muy joven Andrea Tessa. «Oye, ¿quién es ese gallo?» le pregunté a mi hermano mayor, quien también veía atentamente el programa. «Peter Gabriel, el vocalista que tuvo Genesis antes de Phil Collins. Acá está como solista. Es un tipo genial», me respondió.

    «¿Y Genesis fue mejor con Peter Gabriel o es mejor con Phil Collins?», le consulté nuevamente. «Me quedo con la época de Peter Gabriel. Ahora están haciendo puras huevás», me reveló así de claro. Cabe reiterar que Genesis tuvo a Gabriel como cantante y mayor referente entre 1967 y 1975, año en que se retira de la banda.

    Algo de historia y todo lo demás

    Posteriormente, Phil Collins asume las voces. En 1986 Genesis había lanzado su álbum número 14: «Invisible Touch», el  más exitoso hasta esa fecha y, para los seguidores de la «era Gabriel», una «especie de jabón transformado en disco». Por su parte, el ex cantante de la agrupación había publicado por entonces su sexto álbum como solista, «So», el más exitoso de toda su carrera y que contenía el hit «Sledgehammer», que se transformaría además en un celebrado y laureado videoclip,

    El segundo episodio ocurrió en el verano de 1987 y tuvo que ver con un reportaje sobre Gabriel que leí en la revista argentina «Magazine 220 Rocks», donde junto con alabar la trayectoria musical del británico, se referían a «Sledgehammer» como una serie de «ridículas metáforas sobre el amor y el deseo», como poniendo de relieve el sentido del humor de Peter.

    Peter Gabriel 2
    Peter Gabriel
    Bbc.co.uk

    Y el tercer episodio tiene que ver con una opinión que formuló el recordado tío Hernán, profesor de inglés y muy amigo de mis padres, quien me dijo, sin saber que Peter Gabriel era uno de mis exponentes predilectos del rock, que no encontraba nada más ridículo que una canción se llamara «Sledgehammer», ya que se refería literalmente a una especie de herramienta de carpintería.

    En efecto, el tema es un set de graciosas metáforas referidas al amor y el deseo. Por tal motivo quise compartir en esta ocasión el vídeo y parte de la letra del tema, cuyo título traducido al castellano es «Maza» o, bien, «Mazo»:

    Podrías tener un tren a vapor
    si solamente tiendes tus rieles.
    Podrías tener un aeroplano volando
    si volvieras a traer tu cielo azul.
    Todo lo que haces es llamarme
    y seré cualquier cosa que necesites.

    Quiero ser tu maza.
    ¿Por qué no me llamas por mi nombre?
    Oh, déjame ser tu maza.
    Éste será mis testimonio.

    Muéstrame tu caja de frutas
    porque seré tu abeja.
    Abre tu caja de frutas
    donde la fruta es tan dulce como debe ser.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=Io6bZ77R-0w]

  • Kansas: ¿qué es polvo en el viento?

    Kansas
    Kansas
    Metal4all.net

    El legendario grupo estadounidense, cuya época de gloria fue la década del 70, tuvo en «Dust in the Wind» el mayor éxito de difusión de toda su carrera.

    Me encanta Kansas. Entre los grupos de rock estadounidenses está lejos de tener la popularidad de agrupaciones contemporáneas suyas, o casi de la misma época, como The Doors, Creedence Clearwater Revival, Eagles, Journey, Boston, Toto, Foreigner y Aerosmith, por nombrar sólo algunas de las más conocidas y exitosas. Sin embargo, la banda de Topeka se ganó un lugar de privilegio dentro del ámbito del rock progresivo, corriente que los ingleses llevaron a su cota máxima en cuanto a creatividad, innovación y masividad.

    Así como la banda inglesa Free me sonaba más norteamericana que inglesa, Kansas siempre me sonó más inglesa siendo de Estados Unidos. Estuvieron en el Festival de Viña del Mar en 2006, actuación que grabé en VHS mientras la presenciaba en la TV, cuando dicho formato de reproducción de vídeo agonizaba en términos monopólicos audiovisuales.

    Si bien es cierto uno podía encandilarse con temas «oreja» como «Carry on Wayward Son», «Point of Know Return”, «Hold On» (que a nadie hubiese extrañado si la hubiera popularizado Poison o White Lion) o“People of the South Wind” (una canción casi «Onda Disco»), podía disfrutar también de canciones generosas por sus variantes, como  «Paradox» o «No One Together», por ejemplo.

    Los delicados cambios de ritmo, la prevalencia de la melodía sobre la potencia sin que ésta pierda protagonismo, la emoción de las voces y la distinción particular de los teclados y el violín, por nombrar algunas características atribuibles a Kansas, me transportan imaginariamente al Romanticismo como expresión cultural, estilo Mendelssohn o Charles Dickens, más allá de las intenciones de las letras.

    En Chile han efectuado recitales en dos ocasiones: 2006, en el marco del Festival de Viña del Mar; y 2009, en el Movistar Arena, oportunidades en que sus seguidores chilenos pudieron presenciar la calidad de la agrupación en directo, lo que permitió ratificar la trascendencia en el tiempo que tiene como capital propio el rock progresivo, denominado una vez despectivamente por un periodista nacional “como música de la época en que el rock se leía con partituras hasta que, por fortuna, apareció el punk”…Sin comentarios.

    Polvo en el viento

    Kansas 2
    Kansas
    Tonyrollo.com

    Una vez más, sin embargo, quise detenerme en la letra o, si se quiere, en el asombro de un tema que no me deja de atraer desde hace más de tres décadas: «Dust in the Wind», que en castellano significa «polvo en el viento». No sólo me motivó la enorme calma de la canción, sino que la profundidad de su letra.

    Este tema pertenece al quinto álbum de Kansas, «Point of Know Return», de 1977. Llegó a ocupar el sexto lugar en Estados Unidos en abril de 1978. Por aquel entonces Kansas formaba con Steve Walsh (voz principal y teclados), Kerry Livgren (guitarras), Rich Williams (guitarras), Robby Steinhardt (voz, coros y violín), Dave Hope (bajo) y Phil Ehart (batería).

    Desde hace algunos años antes Kansas ya tenía, de alguna manera, su lugar ganado en la historia del rock, pero con el álbum de 1977 se marca el inicio del período de mayor popularidad de la banda, que copó su agenda en los tres años siguientes, fundamentalmente en Europa y Estados Unidos.

    “Dust in the Wind” es una poesía en torno a la vida, la fragilidad de las cosas, los sueños, las posibilidades de que éstos se transformen en realidad, las materializaciones reales, la presencia permanente de la naturaleza y la inexorable condición de mortal del ser humano.

    A continuación comparto con ustedes algunas partes escogidas de la letra de «Dust in the Wind», como también un vídeo subtitulado del mismo:

    Cierro los ojos
    sólo por un momento
    y el momento pasa.
    Todos mis sueños
    pasan por delante de mis ojos,
    una curiosidad

    Polvo en el viento
    Todo lo que son (mis sueños) es polvo en el viento.

    No te resistas,
    nada es para siempre
    salvo la Tierra y el cielo.
    Se escapa (resbala),
    y todo tu dinero
    no comprará otro minuto.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1rVdt7ExFkE]

  • Kafod: un profeta de inspiración musical

    Kafod 3
    Kafod
    Rovok.net

    La agrupación de la Región de Valparaíso, autodefinida de Rock Folk Conceptual, se ha hecho camino al andar mediante un atractivo sonido. Este sábado 31 se presenta en el Bar Rockaxis del citado puerto.

    Deben haber pasado unos 13 años desde la primera vez que fui testigo de la actuación de una banda chilena de genuino rock progresivo y, cerca de 10 años, en que me vincule con una organización de músicos y seguidores del rock progresivo a nivel nacional, lo que me permitió estar relativamente bien informado sobre el panorama progresivo nacional, ir más a menudo a recitales de esta tendencia musical del rock y comprar discos de algunos interesantes conjuntos de nuestro país.

    No quisiera ser mañoso con los conceptos, pero si entendemos «rock progresivo» como «música rock con cambios repentinos de ritmo, arreglos intrincados, intensidades fuertes combinadas con pasajes serenos, y largos desarrollos en sus temas (mayor duración que el formato canción)», varias de las bandas que tuve el goce de presenciar entran en esa categoría: Matraz, Entrance, Exsimio, Subterra, Astralis, Evolución, Leprechaun, Monttrio, Opus 3, Octopus, La Desooorden, Angulart y Tryo, por nombrar algunas. También asistí a un festival Santiago Art Rock, en el auditorio del Don Bosco, hace algunos años.

    Una vez un músico amigo, muy cercano, me comentó que no estaba de acuerdo con el concepto de «rock progresivo», que le hacía ruido y que, además, no se podía hablar de movimiento, porque los conjuntos de esta línea, o similares (por no decir «pop» o comerciales), no generan interés como sí lo generan algunos populares exponentes de nuestra música popular. «Si hicieran esfuerzos mayores por su carrera y se dejarán producir, otro gallo cantaría», me comentaba. Puede ser…Pero igual hay obras y hay un público cautivo, que no deja de llamar la atención y creo, en mi modesto y muy subjetivo parecer, son siempre estimulantes.

    Kafod: Rock Folk Conceptual

    Kafod
    Carlos Cruz Barros
    Rockaxis.com

    Entre las bandas que he tenido el goce de escuchar y ver mediante la casi insustituible herramienta de Youtube, está Kafod, proyecto de la Región de Valparaíso liderado por los músicos Carlos Cruz Barros y Paula Demarco. Fundado en 2008, se autodefinen como banda de Rock Folk Conceptual, inspirada en nuestro folclor y en el rock progresivo.

    La temática ecológica, los procesos de cambio y el nacimiento del pequeño hijo de Carlos y Paula, Juan Salvador, son la base de la fuente de creatividad de Kafod, cuya expresión en materia de producciones de audio es el álbum «Nuevo Pulso» y, en el plano audiovisual, algunos videoclips y recitales que pueden ser vistos en Youtube tan sólo tecleando el nombre «Kafod».

    Además de Chile, en Argentina, México y Estados Unidos han sido profusamente difundidos sus temas en radios especializadas. Han recorrido parte importante de Chile, fundamentalmente en su región -específicamente la zona del Valle del Aconcagua- y han obtenido el reconocimiento de la crítica y un importante galardón del Consejo Nacional de La Cultura y de las Artes. Parte de su biografía está retratada en su propio sitio web: ww.kafod.cl.

    “El cine arte fue una de las tocatas claves, un concierto clave puesto que, de ahí en adelante, empezó a haber más concurrencia de público, quizás porque tocábamos en nuestra ciudad y éramos más conocidos en ella. Nos dio la confianza y, aparte, el espectáculo se pudo redondear un poco más en lo que eran las imágenes y los timings”, enfatizó Carlos en relación a uno de los recitales de Kafod que recuerda con más aprecio y que tuvo lugar el 20 de julio de 2012 en Viña del Mar.

    Formado además por los músicos Felipe Morros en batería y Joe Forno en guitarra eléctrica, en Kafod Carlos ejecuta el bajo y canta, y Paula toca los teclados y acompaña en las voces. Este sábado 31 estarán presentes en el Segundo Encuentro de Bandas Emergentes denominado «De Puerto y Rock», que tendrá lugar a  contar de las 22 horas en el Bar Rockaxis de Valparaíso, ubicado en la calle Pudeto. Sin el ánimo de enfatizar una gratuita complacencia, creo que es una gran ocasión para disfrutar de rock nacional y, antes que todo, música del mejor gusto.

    [youtube=http://www.youtube.com/watch?v=yUat3R7h7z4]