Etiqueta: Rock progresivo

El cuarto álbum del quinteto británico confirma a éste como uno de los grandes grupos de la historia rock progresivo de los 70.

Por sí sola la carrera de Yes, tanto por lo extensa como por sus cambios de integrantes y de estilo, genera mucha controversia. Por citar sólo un aspecto, como los álbumes, muchos seguidores se inclinan por “Close to the Edge” (1972) al momento de elegir su disco de cabecera. Otros se inclinan por la etapa más pop, en los años 80, con producciones como “90125” o “Big Generator”.

En síntesis, se puede hablar y escribir mucho al respecto. Sin embargo, la misma libertad que la música nos ofrece al activar nuestras emociones, nos permite con facilidad elegir: no es que “Fragile” sea mi disco favorito del referido grupo de rock progresivo británico, pero sí lo reconozco por su potencial espectacular y por ser una especie de macizo resumen de todo lo que era capaz de hacer Yes en 1971.

Provisto de los atractivos diseños de portada, contratapa e interiores de Roger Dean, el álbum, de 9 canciones y 41 minutos de duración, revela los talentos colectivos e individuales de la agrupación. La complejidad de los arreglos se torna grata de escuchar porque está provista de un sonido que matiza la delicadeza con la distorsión, lo diminuto con lo envolvente, lo veloz con lo que necesariamente debe ser escuchado más lento. “Roundabout”, “Heart of the Sunrise” y “Long distance Runaround” son los temas más conocidos en una producción clásica en su integridad.

Sobresale allí la particularidad de Yes de traspasar eficazmente el velo que separa el rock and roll con otros estilos, subgéneros o géneros, como la música selecta o el folk. Jon Anderson se distingue con su aguda voz, Chris Squire se esmera en sacarle melodías de fuerte presencia mediante el bajo, Bill Bruford da la impresión que combinara ritmos sobre ritmos, Rick Wakeman (quien visitara Chile muy recientemente) hasta nos regala una reinterpretación de un clásico de Brahms y Steve Howe añade a sus intrincados riffs y punteos de guitarra eléctrica una sobresaliente ejecución en guitarra clásica.

Para finalizar los dejo con la interpretación en vivo, a cargo de Steve Howe, de un tema de este gran álbum: 

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Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer ratifican todo su virtuosismo y potencia en su segundo disco como agrupación.

“Tarkus” de 43 minutos y 24 segundos de duración, es el segundo disco del grupo británico de rock progresivo Emerson, Lake and Palmer, trabajo que fue publicado en 1971 por Islands Records y producido por Greg Lake, el cantante y bajista de este mismísimo power trío.

En este álbum, conformado por siete temas, el ya experimentado triunvirato de músicos demuestra sus habilidades como compositores y virtuosos en sus respectivos instrumentos: Lake en las cuerdas, Keith Emerson en los teclados y Carl Palmer en la batería.

En efecto, el tema de mayor duración: “Tarkus Medley”, de algo más de 20 minutos, es un poderoso indicio inicial de todo el potencial que la banda británica ofrece en el resto del disco. Un sonido de teclado coral muy suave que va in crescendo, aumentando una tensión rápidamente, y que es interrumpido por una energética conjunción de los instrumentos en un sonido de jazz rock donde el órgano de Emerson lleva la melodía.

No obstante, aquella suite registra tantas variantes en sonidos e intensidades como aquellas que caracterizan a los restantes seis temas, entre los cuales figuran «Are you Ready Eddy?», «And Time and a Place» o «The Only Way».

Espacios para el jazz, el rock and roll y guiños a la música clásica sobresalen dentro de esa gama de melodías, donde Lake también luce sus generosos matices vocales. Gran capacidad de improvisación y cambios repentinos de ritmo, incluyendo la presencia de instrumentos como el gong y el piano, son también parte del sello de este clásico álbum de ELP.

Cabe resaltar las ilustraciones de la tapa e interiores del envoltorio del disco, desarrolladas por William Neal.

A continuación los dejo con la ejecución en vivo del clásico tema «Tarkus Medley»:

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El grupo norteamericano empezó a marcar su sello inconfundible con este disco: temas de larga duración, mucha variedad musical, potencia rockera y claros guiños a la música de partituras.

Kansas deslumbra con su primer álbum, publicado en 1974, mediante armonías y melodías propias de un rock progresivo que va más allá de la noción tradicional de bajo, guitarra y batería más sintetizadores.

En un set de nueve temas con un promedio de duración de seis minutos por cada uno, la presencia del violín, el piano que dulcifica alguna secuencia y las guitarras acústicas dan un tinte más próximo a la música selecta al primer disco del grupo estadounidense sin perder la contundencia intrínseca del rock progresivo.

Dicho de otra manera, música inspirada en el prog británico de entonces, sobre todo del Genesis gabrielano, caracterizan este primer largaduración de Kansas, provisto también de letras que aluden a las religiones orientales y la literatura de Herman Hesse.

La energía propia del rock, el virtuosismo y las sensibles voces principalmente de Kerry Livgren y Steve Walsh se hacen notar. Como es característico del rock progresivo, hay varios instrumentos que adquieren notoriedad al unísono varias veces y, otras tantas, sólo uno o dos lideran la melodía, otorgándole una belleza diferente al tema y la necesaria variedad que otorga brillantez al disco.

Referente del rock progresivo de los 70

Quizás no hay clásicos de la popularidad de “Carry on my Wayward Son”, “Point of Know Return” o “Dust in the Wind”, pero hay temas que tienen un sello de distinción especial, como “Journey from Mariabronn”, con un final donde las teclas nos brindan un toque envolvente y épico, y “Aperçu”, con un potente y delicado coro, un interesante “diálogo” entre los teclados, el violín y la guitarra al margen de los lucimientos individuales requeridos para las circunstancias, además de toda una variedad de sonidos que un grupo como Kansas es capaz de aportar en alrededor de casi 10 minutos.

Kansas estaba formado en ese entonces por Phil Ehart en batería, Dave Hope en bajo y coros, Kerry Livgren en guitarras, teclados y voz; Robby Steinhartd en violín y coros, Steve Walsh en voz, coros y teclados; y Rich Williams en guitarras. La portada del álbum es una pintura de John Steuart Curry, donde destaca la presencia del líder abolicionista John Brown.

En síntesis, un excelente álbum, un referente del rock progresivo de los años 70 y la posibilidad de disfrutar de casi una hora de rock progresivo con los múltiples ingredientes que ofrece la música de Kansas.

Para finalizar los dejo con un clásico en vivo de este gran álbum:

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Ya van diez ediciones de este programa que tiene como responsables a Felipe Espinoza e Ibrahim Cohen. El último especial fue dedicado al Marillion de la era Fish. Me gustó el formato y el dinamismo del proyecto radial.

Los primeros años del grupo inglés de rock progresivo o neo rock progresivo, Marillion, fueron el foco central de la reciente edición del programa «Devoción Sonora», emitida este miércoles 10 a través de la señal de la Radio de la Universidad Católica y conducido por Felipe Espinoza  (Feliprog) e Ibrahim Cohen.

El programa, cuya edición reciente es la número 10, privilegia principalmente la música, pero en sus relatos iniciales, entre medio de los temas y finales, los muchachos se refieren a aspectos interesantes acerca del grupo o el exponente al cual va dedicado el especial.

En el caso del especial de Marillion, los discos «Fugazi» (1984) y «Clutching at Straws» (1987) fueron aquellos referentes. «Fugazi», acrónimo de la guerra de Vietnam (una especie de alusión a instantes de fatalidad, desesperanza y donde, incluso, quedan en duda las lealtades entre los compañeros y amigos), alude principalmente a situaciones dolorosas en las relaciones humanas, fundamentalmente las de pareja: la traición, el despecho y los daños, por ejemplo. Temas como «Assassing» y «Punch and Judy», puesto en el programa, lo revelan.

El otro disco citado, «Clutching at Straws», alude en cierto sentido a los vericuetos de la fama que les ha tocado vivir como agrupación de rock, pero poniendo un fuerte acento en el uso y el abuso de las drogas y el alcohol. De este álbum fueron divulgados en la ocasión los tres temas iniciales y «Last Straw». Cabe resaltar que este disco fue el último de Fish como integrante del grupo. La grabación de «Fugazi», en cambio, tuvo lugar en tiempos de transición entre el baterista saliente, Mike Pointer, y el entrante, Ian Mosley.

Espinoza y Cohen resaltan la enorme influencia de Marillion como grupo del Neo Rock Progresivo, rótulo puesto en los años 80 y donde el conjunto liderado por Fish se constituyó como líder entre varias bandas. En dicha clasificación sobresalieron también y con colores propios IQ y Pendragon.

Sin duda una grata serie de temas y referencias sobre este conjunto que, tras 15 años, actuará en nuestro país el próximo jueves 18 en el Teatro  Caupolicán. Sin duda un estupendo regalo para los fans de Marillion, quienes también tendrán la posibilidad de escuchar un especial de la «etapa Hogarth» de este grupo la próxima semana en el mismo programa: «Devoción Sonora».

¡Felicitaciones, muchachos!

Para finalizar los dejo con un clásico de la era Fish y en vivo:

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El gran disco de 1975 tuvo la difícil misión de proseguir con el alto nivel alcanzado por Pink Floyd con el álbum de 1973. Sin duda, ambas producciones son grandes clásicos.

“Wish you were Here” es el noveno álbum del grupo inglés Pink Floyd y, aunque “A Nice Pair” de 1973 figura como el long play que le antecedió, este último es considerado una recopilación de los dos primeros discos. Por lo tanto al emblemático y superventas “The Dark Side of the Moon”, de 1973,  es definido como el natural antecesor  de “Wish you Were Here”.

Y la relación entre los dos discos citados no es casual: dado el estruendoso éxito de crítica y ventas de “The Dark Side of the Moon” y tras las giras de rigor, el grupo trabajó durante dos años en forma ardua, tanto en preparación de material como en ensayos, para dar forma al excelente “Wish you Were Here”.

Si bien es cierto la crítica no fue muy benevolente al principio con el álbum de 1975, éste igualmente se transformó en un superventas y, a larga, en uno de los grandes clásicos del cuarteto británico de rock progresivo, conformado por Roger Waters en bajo y voz, David Gilmour en guitarra y voz, Rick Wright en teclados y coros, y Nick Mason en batería.

Leyenda y legado

Más allá de la leyenda sobre la sorpresiva y casi irreconocible presencia de Syd Barrett, ex miembro y fundador del grupo, en el estudio de Abbey Road durante la presentación del disco, “Wish you Were Here” es un disco que sobresale, en parte, justamente por el singular homenaje a su amigo, un genio de la composición y quien dejo de pertenecer al grupo siete años antes por las escalofriantes secuelas de las drogas en su cuerpo.

“Shine on You Crazy Diamond”, dividido en dos largas, hipnóticas y envolventes partes (aunque en el mismo álbum figura como dividido en nueve), es justamente una referencia a Syd y uno de los temas ineludibles del disco. No obstante, cabe destacar legados como el que le da nombre a la producción, con su inconfundible inicio acústico; y los aportes íntegros de la composición de Waters en “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar”.

A continuación el tema «Wish You Were Here» durante un recital de mediados de los años 90, reproducido en el álbum «Pulse»:

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El grupo británico, liderado por Ian Anderson, sorprendió en 1972 con este disco que combina la energía propia del rock con la delicadeza de la música sinfónica y del jazz.

“Thick as a Brick”, el sexto álbum del grupo británico de rock progresivo Jethro Tull, ha sido considerado, no pocas veces, por medios especializados como el mejor álbum de la historia del rock después de “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles.

Publicado en 1972, “Thick as a Brick”, cuya traducción en castellano es “denso como un ladrillo”, consiste en un largo tema de casi 44 minutos dividido en dos partes. Fue compuesto por Ian Anderson, el líder, cantante y flautista de la agrupación. Las letras fueron escritas por él y por Gerald Bostock, un niño ficticio definido como un talento precoz que escribe el poema en el cual se basa el disco. La portada del disco tuvo como inspiración el diario de un pequeño pueblo.

La producción, que alcanzó el primer lugar de las listas de ventas en Estados Unidos y el quinto puesto en Inglaterra, es una especie de sinfonía rock que combina la serenidad y la armonía propias de las partes calmas de la música selecta y el folk con la energía, alta intensidad, velocidad y virtuosismo instrumental característico del rock y ciertos guiños al jazz.

En ese mar de cambios de ritmo y melodía, sobresalen diversos instrumentos de cuerda, viento y percusión, pero fundamentalmente la inconfundible flauta traversa de Ian Anderson; Martin Barre en guitarra eléctrica; John Evans en órgano, Jeffrey Hammond-Hammond en bajo; y Barriemore Barlow en batería.

Para finalizar los dejo con la primera parte de “Thick as a Brick”, interpretada en vivo en 1978:

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El quinto álbum de estudio del grupo de rock canadiense afianzó una propuesta conceptual ya observada en “2112”.

Rush fue uno de los grupos que combinó inteligentemente los aspectos típicos del rock de guitarras duras, caracterizados por la energía de los instrumentos base: guitarra, bajo y batería, y los elementos más representativos del rock progresivo: el dominio de los sintetizadores, temas de larga duración alternados con otros en formato de canción, mucho virtuosismo instrumental y experimentación, y la conceptualización: el relato de una historia o el desarrollo de uno o unos pocos tópicos, a través de la letra, por disco.

El grupo canadiense ya había realizado en 1976 un trabajo exitoso, “2112”, que englobaba las características citadas. El excelente “A Farewell to Kings”, publicado en septiembre de 1977, ratifica la idea mencionada. El tema que da inicio al disco es un referente al respecto: la suave guitarra de inspiración medieval ejecutada por Alex Lifeson es el preámbulo de una energética irrupción del trío en su conjunto: el mismo Lifeson con su guitarra eléctrica, Geddy Lee con su bajo e inconfundible aguda voz, y la batería de Neil Peart.

Constante desafío a los oídos

En el mismo tema un juguetón y veloz “diálogo” entre el bajo y la batería son la base para un posterior lucimiento de la guitarra eléctrica. El resto de las piezas del disco es un constante desafío a los oídos debido al virtuosismo instrumental, diversos efectos de guitarra, exploración múltiples de sonidos, ritmos e intensidades diferentes por parte de la batería y el bajo; el envolvente complemento de los sintetizadores, el sonido de la naturaleza y los matices vocales de Geddy Lee, que le dan emoción a las letras de Peart, alusivas a la monarquía, el feudalismo y la ciencia ficción, entre otras conceptos.

“Closer to the Heart” y “Xanadu” figuran entre los temas que componen “A Farewell to kings”.

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El disco del grupo chileno, publicado en 1981, está considerado como uno de los mejores de la música chilena y uno de los más aclamados del rock progresivo nacional.

“Alturas de Macchu Picchu”, nombre alusivo al texto del mismo nombre perteneciente al poeta y Premio Nobel de Literatura Pablo Neruda, es el séptimo álbum de estudio del grupo chileno Los Jaivas.

Publicado en 1981, “Alturas de Macchu Picchu” se basa justamente en el poema que es parte de la obra “Canto General” del escritor chileno. Las letras corresponden a dicho texto y evocan a la antigua civilización cuyo referente más representativo son las imponentes y, turísticamente hablando, bellas ruinas ubicadas en Perú.

Los hermosos poemas de Neruda envueltos en un etéreo y envolvente sonido con mezclas de instrumentos andinos y eléctricos, distintos ritmos e intensidades, diferentes variantes del folclor sudamericano, un importante guiño al rock progresivo, gracias a los efectos de la guitarra y de los teclados, son parte de este extraordinario álbum.

Entre los mejores discos de la música chilena

“Alturas de Macchu Picchu”, que contó con el importante impulso inicial del músico argentino y ex integrante de la banda nacional, Alberto Ledo, fue situado por la edición chilena de Rolling Stones, en 2008, en el segundo lugar entre los 50 mejores discos de la música chilena según la óptica de la revista.

Por aquel entonces Los Jaivas estaban integrados por Eduardo Alquinta, “Gato”, en voz principal y guitarras; Gabriel Parra en batería, Mario Mutis en bajo y guitarras eléctricos, Claudio Parra en piano, y Eduardo Parra en teclados. No obstante, cada integrante ejecutó en el disco citado más de un instrumento, varios de ellos de origen andino. Cabe citar, entre los instrumentos mencionados, la quena, la zampoña, la tarka, la trutruca, los timbales cromáticos, la quena y el minimoog.

Entre los temas del legendario álbum, de 37 minutos de duración, figuran “La Poderosa Muerte”, “Amor Americano” y “Sube a Nacer Conmigo Hermano”. Es importante agregar la posterior realización de un video realizado entre las televisiones de Perú y Chile con la música de “Alturas de Macchu Picchu”, con participación del mismo grupo nacional y del escritor peruano y Premio Nobel  de Literatura, Mario Vargas Llosa.

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El primer disco del grupo británico, lanzado en 1969, está considerado como uno de los mejores en la historia del rock progresivo.

“In the Court of the Crimson King”, el álbum debut del grupo británico King Crimson, es uno de los mejores discos de la historia del rock en general y del rock progresivo en particular, dada la innovadora propuesta de la banda de incorporar en esta producción de 1969 elementos no tradicionales en el rock and roll hasta fines de los años 60.

Liderados por el guitarrista Robert Fripp, considerado uno de los mejores y más vanguardistas en el uso del instrumento de seis cuerdas, King Crimson sorprende en su primer disco con una mezcla de estilos.

En efecto, la propuesta combina la potencia característica del rock a través de los instrumentos elementales: guitarra, bajo y batería; jazz, mediante ritmos intrincados y el aporte de bronces; distorsiones y otras distintas clases de efectos de guitarra; la delicadeza característica de la música clásica, donde se incluye la flauta traversa y mellotron; temas de largo desarrollo (de entre 6 y 12 minutos), cambios repentinos de ritmo e intensidad, y sonidos nada convencionales en la música que se desarrollaba por ese entonces.

Formación, temas y anécdota

Fundamentales en este disco, además de Fripp, son el letrista Peter Sinfield, que aporta reflexión a las letras; y el tecladista Ian McDonald como principal compositor. No obstante, debe destacarse la importante contribución de Greg Lake (quien posteriormente integraría Emerson Lake and Palmer) como voz principal y Michael Giles en la batería y la percusión.

Entre los temas de “In The Court of the Crimson King” figuran “21^st Century Schizoid Man”, “The Moonchild” y “I Talk to the Wind”.

Como dato anecdótico cabe resaltar que la portada del álbum fue realizada por el artista y programador informático Barry Godber, quien falleció en 1970, poco después de la edición del disco.

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